Un disegno….. una linea! Ritratto di Sarah Navasse-Miller

©Sarah Navasse-Miller 

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Trulli
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#DRAGGENDO Nasce nel 1985 da una famiglia di maestri vetrai che le trasmettono il gusto per la storia dell’arte e per le composizioni figurative. Dopo un Master in Storia dell’Arte a Parigi I, Sarah Navasse-Miller è volata negli Stati Uniti per studiare Arti Visive all’Università Americana di Washington. Rappresentati dalla Galleria Vitoux L’anno scorso ha anche esposto al Palais de l’Institut de France nell’ambito del David Weill Prize e alla mostra d’arte contemporanea DDessin. Questi disegni con corpi intrecciati sono visibili quest’estate alla Galleria Vachet-Delmas.

Marlène Pegliasco: Sarah, puoi presentare il tuo percorso professionale?

Sarah Navasse-Miller: Sono cresciuta in un laboratorio di vetrate dove entrambi i miei genitori si sono occupati del restauro e della creazione di vetrate. Fin dall’età di 5 anni mi hanno invitato a proporre modelli su cui essi stessi stavano lavorando. A 13 anni hanno presentato per la prima volta una delle mie proposte in un invito a presentare progetti, ed è stato questo che è stato selezionato per una sala da ballo comunale. Ho anche visto molti vecchi pannelli di vetro colorato della chiesa che scorrono sui tavoli luminosi della bottega, soprattutto dei secoli XVI e XIX. Queste immagini mi hanno affascinato per il contrasto tra la monumentalità delle loro composizioni e la meticolosità di ogni pezzo di vetro, dipinto in 3 o 4 strati di grigio, e in cui a volte sono nascoste le impronte digitali dei pittori, o dettagli pieni di umorismo o delicatezza invisibili allo spettatore 12 metri più in basso.
Così ho iniziato a lavorare nel laboratorio di vetrate, imparando a disegnare nei cantieri di restauro, dove frammenti di mani, piedi o volti sono stati erosi. Per le composizioni, è il design delle reti di piombo che mi ha insegnato molto: queste linee raffinate circolano attraverso le vetrate. Oltre al loro ruolo strutturale (tenere insieme tutti i pezzi), permettono anche all’occhio di circolare nella composizione, un po’ come le geometrie nascoste del Beato Angelico…. Oltre a questo lavoro di laboratorio, ho iniziato a studiare la storia dell’arte che mi ha nutrito e mi ha aperto ad altri mondi.
A poco a poco, mi sono allontanato dalle vetrate per sviluppare una pratica pittorica più solitaria. Ho trovato una maggiore libertà rispetto al lavoro principale della pittura su vetro, e uno spazio dove la mia ricerca potrebbe essere più spontanea e immediata. Così sono andato negli Stati Uniti per studiare in un’università dove ho ricevuto una borsa di studio per il Master of Fine Arts. Ho lavorato sulla pittura, l’osservazione diretta più spesso, in relazione al corpo nei suoi aspetti più comuni e strani allo stesso tempo.
Solo quando sono tornato in Francia tre anni dopo, il disegno è stato al centro della mia attività. Arrivando in un piccolo studio senza un laboratorio a Parigi, ho deciso di srotolare rotoli di carta sulla parete e lavorare al disegno come farei con la pittura. Limitando i miei mezzi a carta, matite e gomme, ho aperto un’esplorazione più densa dove ogni disegno poneva nuove domande, ed è stato con una serie di opere in questo piccolo spazio che sono entrato in Casa de Velasquez a Madrid, un luogo eccezionale che mi ha permesso di acquisire fiducia e sviluppare pienamente i fili che cominciavo a seguire, e in quel momento ho pensato di tornare alla pittura, ma da allora ho sempre disegnato. Mi sono reso conto che la pittura su vetro delle vetrate era la fonte dei miei disegni, spesso monumentali, con un’opera di luce e cancellazione.

Marlène Pegliasco: Perché questa predilezione per il corpo umano, forme molto eteree e quasi fantasmatiche?

Sarah Navasse-Miller: Mi sono spesso posto questa domanda sul perché il corpo mi ha affascinato così tanto, e ci sono certamente diversi indizi che cercherò di spiegare qui.
La parte più antica di un ricordo vago ma letteralmente ancorato nel mio corpo: a otto anni ho avuto una lobectomia del polmone. Stavo disegnando durante il mio soggiorno in ospedale, e ho un ricordo di qualcosa di viscerale tra quello che ho sentito dalla ferita sul mio corpo e quello che stava succedendo sulla pagina. Al di là della forma esterna del corpo, è quindi uno stato di sentimento, del meccanismo organico e della consapevolezza di ciò che l’involucro corporeo nasconde che mi interessa.
Nel mio lavoro di pittura, è stata tutta la stranezza e la bellezza delle imperfezioni che mi ha affascinato, l’onnipresenza di immagini di corpi levigate e stereotipate mi ha disturbato, e mi mancavano rappresentazioni che sublimavano le tracce del tempo e le parti o i punti di vista nascosti del corpo.
Infine, quello su cui sto lavorando oggi è il modo in cui il corpo parla, prima ancora che la comparsa delle parole, esprimendo così il nostro rapporto con il mondo, le nostre paure, i nostri desideri, le nostre paure e le nostre gioie. Un dettaglio nella forma delle spalle, il posizionamento del collo o dei piedi può influenzarci per motivi quasi inconsapevoli. Tutti questi aspetti si accumulano nel corso degli anni: l’aspetto viscerale, la busta ordinaria e strana, il linguaggio inconscio del corpo. La sfida è quella di rinnovare questa ricerca e di nutrirla costantemente, dati gli antecedenti che ha avuto nella storia dell’arte fin dagli albori dei tempi!

Il trattamento etereo dei corpi nel mio lavoro è il risultato diretto degli strumenti che uso: la grafite. In tutti i casi, è argentato e cattura la luce. Il nero più profondo di un 8B sarà sempre luminoso. L’aspetto quasi spettrale mi fa pensare alla magia delle vecchie vetrate erose: il grigiore può essere quasi invisibile, e percepibile solo sotto certe luci. Il tempo fa scomparire gli elementi e costringe lo spettatore a prestare particolare attenzione, poiché deve scansionare la superficie per cercare tracce che non possono essere rilevate immediatamente. Erasure invita quindi ad un rallentamento dello sguardo. Spesso permette anche di giocare su più letture, nascondendo elementi in questo spazio tra l’apparenza e la scomparsa.

Marlène Pegliasco: Che ruolo gioca il disegno nella tua creazione?

Sarah Navasse-Miller: Attualmente, il disegno è al centro della mia creazione. Limitando i miei mezzi, alla grafite e alla carta, ho spinto le porte più di quanto immaginassi. All’inizio ho lavorato sui valori, permettendo di mostrare o nascondere le cose nel bagliore della luce o dell’oscurità. Poi ho giocato su quello che le ombreggiature potevano dire su cose che non c’erano. Penso anche alla ricchezza della traccia, degli strati sovrapposti come in pittura, o della cancellazione. Oggi, la mia attenzione è sempre più focalizzata sul supporto, la forma e la consistenza della carta. Attualmente lavoro con un’ampia varietà di carte (nella loro tonalità, flessibilità, spessore, fibre….) che taglio o strappo e incollo, e che funzionano come filtri o pelli, o che disegnano silhouette. Anche la ricchezza della scrittura e delle texture in grafite mi sembra sempre più infinita.
Direi che considero il disegno come pittura: la mia tavolozza è quella delle foglie che uso, i miei materiali sono la loro texture naturale o quella che do loro attraverso gli strati di lavoro a matita e gomma. Ho subito notato che mi sentivo più a mio agio con i grandi formati, e mi sembra di aver appena iniziato a imparare a domare quelli piccoli. Per questo motivo, penso molto ai dipinti di Goya come quello del Volo delle Streghe (30x40cm nel Prado) che portano al loro interno una monumentalità, uno spazio e un movimento sorprendenti per una superficie così piccola. Grafite e carta sono quindi i miei strumenti principali, ma si nutrono di varie fonti e mi conducono in un percorso che continua ad aprire possibili vie di esplorazione.

Marlène Pegliasco: Raccontaci delle due mostre che presenti alla Galerie Vachet-Delmas nel Gard e alla Galerie Vitoux?

Sarah Navasse-Miller: La mostra alla Vachet-Delmas Gallery “Homo Ludens, l’uomo che gioca” si concentra su un elemento già parzialmente presente nel mio lavoro: l’idea del gioco come spazio di dualità tra serietà e finzione, tra paura e desiderio, tra piacere e pericolo.

Homo ludens è in origine il titolo di un’opera dell’inizio del XX secolo di uno storico olandese, Johan Huizinga, che ha trovato un terzo qualificatore dopo Homo sapiens (uomo che sa) e Homo faber (uomo che fa). Il gioco è descritto come “un accompagnamento, un complemento o anche una parte della vita in generale. Adornano la vita, compensano i suoi difetti, e in questo senso è indispensabile”. Nei miei disegni preparati per questa mostra, non è solo la variazione di una serie di giochi che volevo mostrare, ma sono soprattutto le situazioni di gioco che ci permettono di esplorare il nostro rapporto con il mondo.

1,2,3 Sun per esempio mostra una persona piegata su se stessa nascondendo gli occhi di entrambe le mani. Sembra che stia camminando su un’isola di rifiuti organici. La posizione del corpo può evocare quella di Adamo ed Eva che lasciano il paradiso terrestre di Masaccio a Firenze. La posizione evoca anche un volo o una cecità di fronte a ciò che sta accadendo nel suo ambiente dove frammenti di ali cadute sporcano il terreno. Il gioco del bambino che dà il titolo al pezzo è quindi solo un punto di ingresso per una pluralità di letture.

Mi interessano anche le sensazioni create dalle situazioni di gioco. Il disorientamento che puoi provare con gli occhi bendati durante una partita a Colin-maillard, il mondo che cambia quando sei nascosto sotto un lenzuolo, la tensione o l’eccitazione quando ti nascondi e hai paura di essere tradito dal tuo stesso respiro….. Tutte queste esperienze mostrano come lo spazio mentale trasforma il nostro ambiente, il nostro corpo e il nostro rapporto con il mondo. Questo viene fatto nel gioco, ma anche nella vita quotidiana, dove proiettiamo costantemente le nostre paure e i nostri desideri sul nostro ambiente circostante. Lo spazio di disegno è quindi il luogo ideale per esplorare queste situazioni: la superficie del foglio può ospitare l’illusione di diverse realtà che si confrontano e ci parlano, proprio come nella logica dei sogni. Huizinga sottolinea anche che la parola “illusione” deriva la sua etimologia da “inlusio”, che significa “ingresso nel gioco”. Il disegno è quindi il luogo ideale per l’esplorazione di questo tema!

Infine, un’altra parte del gioco che mi interessa è ciò che rivela sulla natura dell’essere umano: morbidezza, curiosità, precisione, o predazione e orgoglio più vicino all’hybris greco. Huizinga parla di “aspirazione al trionfo” nell’uomo, il che significa che la competitività è sempre stata la forza motrice dell’evoluzione della storia. Nella mia serie “Le chat et la souris”, i ritratti di uomini o donne sono giustapposti agli uccelli in modi diversi e più o meno realistici. L’attrazione tra esseri umani e animali gioca in questa serie su tensioni di ammirazione e predazione, sottolineando così l’animalità dell’uomo che gioca come un gatto con il suo topo.

La mostra che si terrà a Parigi a novembre da Marie Vitoux’s seguirà alcune delle direzioni qui aperte. Il gioco sarà sempre presente con il titolo “Su un filo”. D’altro canto, si tratterà più di fragilità e di equilibrio instabili, di direzioni e interruzioni. A questo vorrei aggiungere, oltre al lavoro di carte che fungono da pelli sottili, un’installazione che integra frammenti di vernice su vetro sospeso.
Attualmente mi sto prendendo qualche giorno in questo meraviglioso villaggio di Sauve dove si tiene la Galerie Vachet-Delmas prima di tornare al workshop dove ho ancora molto da fare per dare forma a questo. Forse le vie ferrate e le falesie di arrampicata della regione alimenteranno alcuni dei pezzi in arrivo….

Ritratto di disegnatrice

Se tu fossi un disegno? Un disegno di António Lopez Garcia, quello di una giovane donna sdraiata su una riva di strane proporzioni.

La tua tecnica preferita? La gomma su una pellicola di grafite.

Il supporto più insolito? Nei miei ultimi esperimenti potrei citare un foglio di 4cmx6cm, insolito per me che ama i formati da 2 o 3 metri!

“Il disegno e’ come…..”? Gioca. Giocare a camminare senza mappa o GPS in un luogo sconosciuto che ci attrae.

Marlène Pegliasco

Laureata in Storia dell’Arte e residente a Tolone, ho creato il blog Art In Var (www.artinvar.fr) per condividere con i miei lettori le ricche notizie artistiche di questo bellissimo dipartim...

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