“El amargo perfume de los inmortales”
23.10.19
Dominique Vautrin

Documental de Jean-Pierre Thorn. Publicado el 23 de octubre de 2019. La ardiente historia de un apasionado romance -nacido en el hueco de las dunas de las Landas y demasiado rápido abatido por la muerte- se entrelaza con la loca esperanza que nos levantó en mayo-junio de 1968.Sigo el hilo de mi vida para encontrar a las figuras rebeldes que poblaron mis películas: desde los trabajadores en lucha en los años 70 (con los que compartí ocho años de vida en la fábrica) hasta sus hijos en el movimiento hip-hop…. y hoy chalecos amarillos de una rotonda en Montabón. Juntos, componen un fresco luminoso que se extiende y responde a las cartas de mi amante y muestra cómo la rabia de May está más viva que nunca: como las brasas que arden bajo las cenizas.

Lamarche florentino y Alexandre Ovize, ¡conexiones gráficas!
22.10.19
Marlène Pegliasco

#DIBUJO El Drawing Lab un centro de arte dedicado al dibujo contemporáneo, exhibe hasta el 9 de enero de 2020 los dibujos del dúo de artistas Lamarche florentino y Alexandre Ovize.Alimentada por el trabajo del geógrafo Elisée Reclus (1830-1905) y, en particular, los libros “Historia de una montaña” e”Historia de un arroyo”la exposición presenta una gran serie de dibujos en su totalidad. Con una sensibilidad inspirada en laArt NouveauEn el proceso, los detalles crean formas plásticas que crean un lenguaje visual que produce conexiones gráficas y coloridas. Las flores, motivo recurrente de su obra, atraviesan la Historia del Arte de forma simbólica y natural para crear paisajes urbanos. Esta pareja de artistas, viviendo en Aubervilliersutiliza elementos simples para crear imágenes poderosas como investigaciones formales.

Marlene Pegliasco Háblenos de sus antecedentes.

Lamarche florentino y Alexandre Ovize Estudiamos en la Escuela de Bellas Artes de Lyon luego los de París. Una ruta bastante clásica, en general. Luego, nos conocimos durante una exposición colectiva en el Punto Ephémère. Con Sarah Tritz, habíamos diseñado un volumen heterogéneo que constituía la columna vertebral de la exposición. Esta experiencia común sobre el volumen y el diseño continuó durante dos años. Hemos estado trabajando con dos cabezas durante una docena de años.

Marlene Pegliasco: ¿Cómo se proyectó la exposición con el Laboratorio de Dibujo?

Lamarche florentino y Alexandre Ovize: Nos habíamos reunido con Solenn Morellel comisario de la exposición, durante la exposición “Noticias de la nada” a la Centre d’Art Contemporain Les Capucins en Embrun. Este texto visionario sobre la Comuna es para William Morrisel fundador del movimiento Artes y Oficios nacido en Inglaterra en la segunda mitad de la Siglo XIX. Él es muy poético y toma posiciones humanas en relación con la naturaleza y el lugar del hombre en la sociedad. También es una alerta sobre la evolución industrial y el consumo excesivo. Su ideal es vivir felizmente produciendo artesanías. Ahí fue cuando descubrimos el trabajo del geógrafo Elisée Reclus. Sus libros están en línea con la visión ideal de Morris. La naturaleza omnipresente está en el centro de cualquier relación orgánica. Esto implica el respeto por los demás y el principio del libre comercio. Son nociones que nos han hablado y que hemos actualizado en un contexto alejado de la utopía y que conducen a una sociedad más humana. Finalmente, es un gran poeta que ha trabajado con muchos ilustradores.

Marlene Pegliasco: ¿Cómo se traducen sus obras en dibujos?

Lamarche florentino y Alexandre Ovize: La exposición comienza con un retrato deElisée Reclus y sus viajes, por lo que ha pasado. Luego encontramos quince dibujos de paisaje de sus exploraciones. Los dibujos fueron concebidos a veces como mapas, a veces como herbarios. Cada planta es tratada individualmente pero incluida dentro de una imagen global, un paisaje exótico formado por líneas sinuosas.

Marlene Pegliasco: ¿Qué significa el dibujo para ti?

Lamarche florentino y Alexandre Ovize: Dibujar es sinónimo de simplicidad, puedes usarlo donde quieras. En primer lugar, nos apasionan los cómics. Entonces, nos parece obvio. El dibujo es una extensión de la mano.

Marlene Pegliasco: ¿Cuáles son sus noticias?

Lamarche florentino y Alexandre Ovize: Exponemos cerámica en el Desfile de diseño de Toulonen nuestros hornos. Luego tenemos una exposición grupal a la Centre National du Graphisme Le Signe de Chaumont y otro personal en el FRAC de Caen que comenzará en enero de 2020. Por último, tenemos un proyecto con el estudio de arquitectura NeM compuesto por Thibaud Marca y Lucie Niney para la creación del salón de té Mulot dentro de la casa de Victor Hugo en París. Un trabajo de larga duración que nos llevará a experimentar con el dibujo de nuevas texturas ya que colaboraremos con el pastelero.

Alicia Alonso, luces y sombras de su grandeza
21.10.19
Ernesto Santana

#LA HABANA El sábado 19 de octubre no solo fue sepultada en el cementerio de Colón en La Habana la genial bailarina Alicia Ernestina de la Caridad Martínez del Hoyo, a quien el mundo conoció como Alicia Alonso. Fue también el final de una página de la revolución cubana. Nacida el 21 de diciembre de 1920, la Alonso empezó su carrera danzaria siendo una niña y bailó por última vez en noviembre de 1995, con casi 75 años. Había fundado en 1948 la compañía que terminaría convirtiéndose en el Ballet Nacional de Cuba (BNC), una de las instituciones de su tipo más prestigiosas del mundo. Estuvo en la School of American Ballet y en el American Ballet Theatre y fue estrella invitada del Ballet Russe de Monte-Carlo. Cuando bailó Giselle el 2 de noviembre de 1943, entró en la historia del arte danzario. Con Carmen, grabó su nombre en letras de oro.

El final de una página de la revolución cubana

 

Fue pareja en las tablas de todos los grandes partenaires masculinos de su época y prefirió perder la visión antes que dejar de bailar. Ella y Maya Plisetskaia fueron las últimas grandes divas del ballet, pero, a diferencia de la rusa, la cubana no sufrió los rigores del totalitarismo socialista.

Y ahí está el lado oscuro de su grandeza, que muchos recuerdan en el momento de hacer el recuento de su vida, porque la Prima ballerina assoluta del BNC fue una estrecha aliada de Fidel Castro y se convirtió en su embajadora cultural a cambio de manejar la compañía danzaria como su feudo particular.

Eso le sirvió para salvar a sus bailarines de los campos de trabajo forzado para homosexuales, religiosos y descarriados ideológicos, y para manetener cierta eficiencia dentro del BNC pese a la continua crisis que destruía el país, pero también le sirvió para implantar el culto a su figura, para evitar que otras bailarinas pudieran hacerle sombra y para gozar de una vida privilegiada.

Durante la llamada Privamera Negra de 2003, en Cuba fueron fusilados tres jóvenes negros por tratar de secuestrar una embarcación y escapar del país y 75 opositores políticos recibieron largas penas de prisión. Para aplacar las críticas internacionales, el gobierno solicitó el apoyo de prestigiosos artistas e intelectuales. Alicia Alonso firmó la carta que justificó esa brutal campaña represiva.

Recientemente, se editó en La Habana la autobiografía del famoso bailarín Carlos Acosta, Sin mirar atrás, que sirvió de inspiración a Iciar Bollaín para la exitosa película Yuli, pero la venta del libro fue prohibida porque a la Alonso no le gustó que Acosta insinuara en él que había sido víctima de racismo en su paso por la compañía de ballet.

Su importancia, tanto cultural como política, así como el peso de su apoyo al régimen cubano, quedan demostrados por la guardia de honor que tuvieron los restos mortuorios de la gran bailarina: Raúl Castro, Miguel Díaz-Canel, José Ramón Machado Ventura y Esteban Lazo, la plana mayor del poder en el país.

Más allá de las loas por su grandeza creativa y de los improperios por su cercanía al castrismo, solo el futuro puede juzgar la justa dimensión de la artista y de la persona que formaron una unidad contradictoria en Alicia Alonso, al igual que en tantos grandes nombres de la historia del arte mundial.

#PARÍS Los más grandes maestros italianos del Renacimiento están reunidos actualmente en París. El Museo Jacquemart André ofrece una selección de la colección Alana (conservada en Estados Unidos). Es visible hasta el próximo mes de enero. ¿Cómo no admirar todas estas obras maestras, pinturas, esculturas, obras de arte inéditas y representativas de una Italia resurgente? Es la “Rinascita”, el final de la Edad Media, las sociedades europeas están cambiando e Italia está por delante de otros países por su efervescencia artística. Los artistas italianos experimentan con nuevas representaciones del espacio, sacando a la luz el patrimonio de la antigüedad griega y romana, lo que permitirá, en particular, que la pintura florentina del siglo XV se libere de la visión medieval.
Esta colección, reputada por ser muy preciosa y misteriosa, le llevará desde el siglo XIV hasta el XVI, desde Florencia hasta Veneto, desde el gótico hasta el manierismo. La escenografía es tan brillante como las obras, Hubert le Gall se ha abstenido de sobrecargar las pequeñas salas del Museo, el conjunto tiene un vínculo con el tiempo, un algo que realza los detalles y los colores, un algo barroco.
El Museo Jacquemart André le ofrece este viaje a la historia de una colección, a la historia del arte y, por supuesto, a la espiritualidad de los creyentes. Para los no creyentes, la fe puede estar ante “Cristo Redentor”

Cristo como hombre de dolor” de Cosimo Rosselli.

La colección Alana
Museo Jacquemart André
Del 13 de septiembre al 20 de enero
158 Bd Haussmann 75008 Paris

Haikyu!!!! – Los Ases del Voleibol
18.10.19
Bubble

#Cómics Es el manga deportivo del momento, 6º en el TOP Oricon de Japón en 2017, 5º en 2018, situándose justo detrás del reinicio de Slam Dunk en ventas acumuladas a lo largo del año. Un fenómeno bastante gracioso porque verás que todavía hay cierta similitud con Slam Dunk.

 

Como a menudo en el shōnen, seguimos la historia de un héroe que no es bueno en el deporte que practica pero que tiene enormes habilidades latentes y que a través del entrenamiento se convertirá, lo adivinaste pero lo digo de todos modos, en un monstruo en este deporte. Aquí, seguimos a Hinata, una pequeña jugadora de voleibol (170 cm) que sueña con convertirse en la mejor aplastadora al por mayor. Aunque pequeño, compensa este gran vacío (nos encanta el deporte, pero también los juegos de palabras) con agilidad, relajación y reflejos extraordinarios que giran en el campo. Él y Kageyama, un genio pasador con un carácter terrible, rivales al principio se convertirán en los mejores aliados porque sólo Hinata puede aplastar los pases supersónicos de nuestro patito feo y sólo él puede obtener el máximo potencial de los talentos de nuestro héroe. Una pareja dorada en un equipo que, por supuesto, como es habitual, sólo tendrá un objetivo: participar en los campeonatos nacionales.

Por Matthieu Morisset

Haikyu!!!! – Les As du Volley, 34 volúmenes – Kazé (serie actual)

“Bubble click and collent”

 

 

Noticias Hechos: El”must see” de la Semana de Arte de París es imprescindible
17.10.19
Lili Tisseyre

#París Fundada en 1946 por Sonia Delaunay y Auguste Herbin, entre otros, la exposición “Réalités Nouvelles” trabaja cada año desde hace más de setenta años para proporcionar una caja de resonancia esencial para el Arte Abstracto, como el gran percebe de Arte Contemporáneo instalado en el Grand Palais para el FIAC no logra eclipsar.

El Salón“Réalités Nouvelles” debería llevar el nombre del poeta Guillaume Apollinaire que, en 1912, impregnado de la importancia de este nuevo orden artístico que floreció a su alrededor, trató, con este nombre misterioso, de darle la oportunidad de ser aceptado por el público en general.

Siempre estimulantes, más de siete décadas después, estas “Nuevas Realidades“, atravesadas por muchos desafíos, han permanecido bajo el signo de la abstracción y el encuentro. Este fin de semana dan la bienvenida a 400 artistas en el Parc Floral. Dibujo, pintura, grabado, escultura, fotografía, vídeo, una bellísima selección para dar una idea de la vivacidad de este “movimiento” y de la agilidad intelectual de los artistas que lo reclaman.

Después de la guerra, su situación sociológica era difícil. Hoy en día puede serlo aún más. Lo que el salón ofrece no es una red, sino la idea misma del colectivo que está en la base misma del arte abstracto. “Nuevas Realidades” es la posibilidad de que cada artista invitado construya algo en conjunto, en una dinámica que no es ni la del mercado ni la de los museos. Se trata aquí de encontrarse, de enfrentarse a las obras, a las generaciones. Este año, la Feria invita a artistas de Montenegro y China en particular, y con el mismo espíritu, jóvenes con diplomas recientes o en escuelas de arte exhibirán el fruto de su trabajo. Pero la asociación organizadora de la muestra anual, no obstante, está dando la voz de alarma en respuesta a las declaraciones del Ministro de Cultura sobre la remuneración de los expositores, porque si bien”Nuevas Realidades” permite a cada artista vender sus obras de mutuo acuerdo y sin comisiones sobre las ventas, el sistema voluntario en el que se basa la asociación toca los límites de la inversión personal de los artistas miembros y de los miembros de la oficina. La asociación pide, pues, una reflexión común y concertada, que será probablemente el centro de las discusiones en los pasillos del Salón.

En esta edición de 2019, la generación joven está en movimiento, en total conexión con las preocupaciones socio-políticas de su ecosistema. A continuación, vemos las esculturas de Alexandra Renne, recién licenciada en Bellas Artes de París, con una perspectiva diferente. La repetición de gestos inherentes al proceso de creación de sus piezas como “organizar-ensamblar-construir-cortar-forma” es una reflexión introspectiva sobre la emoción creada por los materiales y el ritmo que inducen en los volúmenes cuando la escultura emerge. También se graduó, este año, de la prestigiosa institución parisina y presentó en el Salón, las pinturas de Gaëtan Di Pizio. Un vasto mapeo de tu espacio mental con grandes áreas planas de colores brillantes cuyos múltiples guiones, puntos y otros signos digitales codifican o decodifican nuestra interpretación de la realidad que nos rodea y nos sumerge en un universo jazzístico o funky dependiendo del estado de ánimo de nuestro encuentro con la obra.

 

Salón de las Realidades Nuevas

del 19 al 21 de octubre

Parque Floral de París

 

 

FIAC 2019 Instrucciones de uso y supervivencia
16.10.19
Lili Tisseyre

#PARIS Cuanto más años pasan, más se diversifica la oferta artística a la hora de una feria, convirtiéndose pronto en una hidra casi incontrolada o incluso incontrolable. Apenas salido de una digestión londinense más o menos exitosa, aquí estamos cruzando el Canal para volver a poner la mesa, a menudo con las mismas galerías, las mismas manos para estrechar en los cócteles y las mismas sonrisas en sus rostros para descubrir la programación más o menos peligrosa de galerías, museos y otras instituciones. Este año, la FIAC amplía un poco más su influencia y se hace cargo definitivamente del Petit Palais y de la avenida Eisenhower para ofrecer eventos y espectáculos a lo largo de los cuatro días. Volveremos un poco más tarde sobre las selecciones mostradas en los stands, para centrarnos en los eventos satélites.

Las festividades no esperaron a la apertura de la Feria para comenzar, como lo que estamos viviendo en Miami, Londres o Basilea para permitir a todos asociarse directa o indirectamente y co-marcar o etiquetar su evento con la palabra “FIAC”. Así, desde el pasado viernes, pudimos recorrer la capital para descubrir hasta Le Grand Paris (Comprender Le Bourget, Pantin y Montreuil con algunas incursiones en los siglos XVIII y XIX) la bonita edición de Avant Première, un rico y apasionante programa en las galerías parisinas y periféricas: Coté Marais, y de forma no exhaustiva, Xippas ofrece una doble exposición en los dos espacios de la galería: pinturas y dibujos de James Siena y en grandes formatos del fotógrafo norteamericano Joel Sternfeld (que volveremos a comentar muy pronto), Suzanne Tarasiève propone también una doble exposición en dos lugares distintos de la calle Pastourelle, la primera es una exposición colectiva,”Woods”, que reúne a diferentes artistas de la galería que trabajan con la madera o están fuertemente inspirados en ella, desde Eva Jospin hasta R. Penck. La segunda exposición está dedicada a las últimas creaciones del artista visual Jorge Immendorff, que ha abandonado a Pollock y Picasso, y nos invita a acudir al rescate para un oscuro homenaje a Goya o a Durer Max Ernst o a Broodthaers, una forma de liberarnos de los códigos estéticos de una pintura que él considera agradable. Más adelante, en la calle Beaubourg, son los grandes lienzos, violentamente coloreados, de Paul Mignard, ganador del premio Emerige Foundation 2018, los que nos devuelven a un tema candente, el de la crisis ambiental y social Galería Backslash, más al norte, propone una exposición individual de la americana Fahamu Pecou hasta el 26 de octubre y destaca, paralelamente, en la feria ultramoderna y alternativa “Private Choice” France Bizot & Michael Zelehoski. En Pantin, entonces, en la monumental “catedral” de Thaddeus Ropacperdemos la cabeza y el sentido del tiempo con la obra de Georges Baselitz “al revés” de su serie “Time”.

Por último, dejemos definitivamente París para ir a las regiones, donde también allí capitalizamos los ojos vueltos hacia Francia para mostrar sus bellezas. Todos los Fracs, cuya programación está indicada en la página web de la FIAC, están inmersos en un libertinaje de propuestas, cada uno más convincente que el otro. Al margen de esta plétora de ofertas, Poitiers, que forma parte del paisaje con”Traversée/Kimsooja”, un recorrido artístico por la ciudad diseñado en estrecha colaboración con el artista por la recién nombrada directora del Palacio de Tokio Emma Lavigne, es digno de mención. Finalmente, más al sur, hacia el Los mataderos de Toulouse para la gran retrospectiva, que les invitamos a visitar aquí, dedicada al travieso artista pop Peter Saul!

 

La lista parece interminable, hay algo para todos los gustos (y para todos los presupuestos)…. La caída no será sombría!

 

FIAC y compañía

17-20 de octubre de 2019

Gran Palacio

 

Documental de Amélie Ravalec. Lanzado en Francia el 16 de octubre de 2019. Un viaje al arte, la locura y el inconsciente. Una exploración de artistas visionarios e impulso creativo, desde maestros flamencos a románticos, pasando por el surrealismo y el Art Brut.

Un dibujo…. ¡Una línea! “Ríndete a ti mismo”
15.10.19
Marlène Pegliasco

“Inventa situaciones singulares en el marco espacial de su dibujo. Sus extraños personajes, mitad negros, mitad blancos, mitad humanos, mitad dioses, nos ofrecen una historia para construir, una narración abierta que solicita nuestras propias fantasías, para exorcizar, sin duda, nuestro mal, para ser actuales. Estas pocas palabras del artista Patrick Sirot describen con precisión las obras de William Bruet. Su enigmático y lineal universo cuestiona los temas de actualidad. Máscaras autóctonas, paisajes fantasmagóricos, a veces con doble lectura: sus dibujos posca son ricos en iconografía contemporánea capturada en dos colores. Comisario de la exposición de la asociación de arte contemporáneo PLAC, el artista de Toulon trabaja en varios proyectos locales. Su dibujo “La Veilleuse”, acaba de entrar en las colecciones de arte contemporáneo del departamento de Var.

Marlène Pegliasco: ¿Puede describir su trayectoria profesional?

William Bruet: Mi nombre es William Bruet y nací el 17 de marzo de 1985 en Toulon. Tuve la suerte de tener una madre que me abrió al mundo y a la cultura desde muy joven. Crecí con muchas formaciones artísticas como el teatro, el circo y la cerámica. Desde que tengo memoria, siempre he dibujado y supe muy pronto que sería un constructor. Durante mis años escolares, conocí al artista Bruno Vigoroso. Se convirtió en mi mentor, me dio la bienvenida a su taller y me inició en muchas prácticas artísticas. Luego fui a la Escuela de Bellas Artes de Toulon donde obtuve mi DNSEP en 2010. Desde ese día, he estado constantemente evolucionando mi universo y compartiéndolo a través de mis obras y exposiciones. He trabajado con muchos socios como el departamento de Var, la Universidad de Toulon o la asociación Le Bazar du lézard con la que he creado obras colectivas y numerosos frescos en todo el país. Durante los últimos años he estado trabajando con la coreógrafa y bailarina Simonne Rizzo y he tenido la oportunidad de ver mi universo transpuesto al mundo de las artes escénicas.

M.P.: Cuéntanos sobre tu dibujo en general

W.B.: El dibujo es un viaje, un viaje alrededor del mundo… a través del tiempo… en el centro de mí… iniciático. Cuando dibujo, siempre empiezo vaciando mi mente y cortando cualquier noción de tiempo… El uso del blanco y negro es algo sagrado para mí, el contraste me permite crear cambios espectaculares. A través de mis dibujos y diversiones fotográficas, mi mitología personal destila un universo oscuro, enigmático, lleno de signos y símbolos. En contacto directo con la realidad, los acontecimientos actuales contemporáneos coexisten con las leyendas populares o con las múltiples representaciones de la civilización desaparecidas y existentes, y el verdadero vínculo de todas sus influencias está en el cuerpo y sobre él… La pompa, las máscaras y las modificaciones corporales se crean y rompen el dictado contemporáneo del cuerpo normalizado, lineal e identificable. Para mí, se trata de repensar el cuerpo y apropiarse de él cortando cualquier identificación, aquí se esconden los rostros, los cuerpos enigmáticos. La duda es muy importante. No estoy hablando de los ojos del hombre, sino de la imaginación que es capaz de producir. Mi intención es invitar al lector a un verdadero desciframiento de mi obra. Mis dibujos están teñidos de intenciones metafísicas, de misterio, incluso de misticismo. Vuelvo conscientemente a lo que Antonin Artaud fue en el origen de toda una parte de lo que ahora se llama performance: el deseo de inscribir el arte en una función sagrada, a partir del concepto clásico de representación.

M.P.: ¿Por qué usas la posca en tu creación?

W.B.: La primera ventaja de usar la posca es que me permite trabajar sobre diferentes soportes y obtener un negro mate, lo que creó un interesante hueco con el brillo de mis fotografías. La gama existente de posca me permite trabajar desde muy fino (1mm) hasta muy grueso (15mm). Cuando necesito llenar masas muy grandes, todo lo que tengo que hacer es destripar mis marcadores y venir y tomar su contenido de ellos.

M.P.: ¿Cómo enseñas dibujo en los talleres educativos que diriges?

W.B.: No me veo a mí mismo como un maestro, sino como un soplador de ideas. Los niños tienen una imaginación desbordante y sólo se necesita un poco para desencadenar el acto creativo en ellos. Me gusta compartir mis conocimientos mientras descubro la historia del arte. Lo más importante para mí es abrirlos al mundo e introducirlos en diferentes medios artísticos. Así realizamos collages, esculturas, fotografías, pinturas o vídeos. También quiero crear obras colectivas con ellos. Es muy importante para mí profanar la obra de arte y tomar conciencia del poder de “hacer juntos”.

 

Retrato de un dibujante:

¿Si fueras un dibujo? “Puño en la boca” de Roland Topor

¿Cuál es tu técnica favorita? El mal uso de la imagen.

¿El apoyo más inusual? La tierra. Me gustaría hacer un geoglifo a gran escala.

¿”Dibujar es como…”? Rendirte a ti mismo.

 

www.williambruet.com

 

Miguel Coyula: El cine independiente debe tratar los temas incómodos!
14.10.19
Ernesto Santana

#TAMPA (Florida) Cuando se celebre, entre el 18 y el 20 de octubre, la segunda edición del Festival de Cine Latino de la Bahía de Tampa, uno de los invitados será el director cubano Miguel Coyula, que presentará su último filme, Nadie, un documental sobre el escritor Rafael Alcides.

Coyula, graduado de la Escuela de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños, ha realizado antes películas como Cucarachas rojas, su encomiado debut, y Memorias del desarrollo, basada en la novela del mismo nombre de Edmundo Desnoes, cuya Memorias del subdesarrollo inspiró la famosa versión cinematográfica de Tomás Gutiérrez Alea.

 

“El cine independiente debe tratar los temas incómodos que se evitan en un cine mas complaciente” Miguel Coyula

 

 

El realizador respondió amablemente, a través del correo electrónico, un breve cuestionario sobre Nadie y sobre su obra en general con motivo de su asistencia al joven festival de cine en la ciudad de La Florida.

smArty: ¿Cómo ha resultado hasta el momento la recepción internacional hacia esta nueva producción tuya?

Miguel Coyula: Nadie tuvo un comienzo muy prometedor con el premio a mejor documental en el Festival de Cine Global Dominicano. Luego de la redada de la policía y la Seguridad del Estado, cuando intentamos proyectarla en la Casa Galería El Círculo en Cuba, la suerte cambió. Creo que la muerte de Fidel (Castro) era muy reciente. La película fue rechazada en el Festival de Mar del Plata luego de aceptada, y más tarde el Ministerio de Relaciones Exteriores en Buenos Aires canceló una proyección. Al Festival Internacional de Cine de Miami no le interesó y cuando, finalmente, se puso en el Coral Gables Art Cinema hubo algunas reacciones airadas por el hecho de que Alcides se denominara socialista o respetara al Che. Las críticas fuera de Cuba han sido buenas. Pero sobre todo han existido debates y discusiones fuertes que realmente es lo que me interesa. La proyección más impresionante fue en el MoMA. Pero creo que es ahora cuando la película se está moviendo, está circulando mucho por las universidades.

smArty: ¿Cómo ha sido acogida en Cuba?

Miguel Coyula: Para los críticos de cine que residen en la isla, la película no existe, ni para bien ni para mal. Creo que en Cuba se sufre de autismo moral en ese sentido. Mucha gente me dice que la visto, pues hay copias digitales de lenta propagación. Es triste, pues de todas mis películas creo que es la más accesible para un público cubano más general por la honestidad y la capacidad comunicativa de Alcides.

smArty: En tu criterio como realizador, ¿cuáles características de tu cine anterior continúan en Nadie y cuáles te parecen novedosas?

Miguel Coyula: Es una película, al igual que Memorias del desarrollo, sobre un escritor decepcionado de la Revolución Cubana, con la diferencia de que este se quedó en el país viviendo un exilio interior. Las personalidades de ambos también son muy distintas: Alcides desborda pasión y romanticismo, mientras Sergio es más escéptico y observador. Memorias del desarrollo era una película con gran énfasis en la imagen para contrastar la pasividad de su protagonista. Por eso quise que Nadie fuera construida y volcada hacia la fuerza de la palabra. El 90 por ciento de la película es la voz de Alcides en un género documental muy mal visto: “las cabezas parlantes”. En este caso, decidí utilizar elementos de ficción y animación detrás y delante de Alcides para completar ideas y crear un fluir de la conciencia que reforzara la subjetividad. En cuanto a si es novedoso o no, eso que lo digan los críticos.

smArty: Se considera muy avanzada la estética visual de tu cine, que además es independiente y proviene de un país muy atrasado tecnológicamente. ¿Cómo explicarías eso al público en general?

Miguel Coyula: A mí me marcó mucho el anime. Los japoneses no tenían grandes presupuestos para animar a 24 cuadros por segundo como Disney, pero se concentraron en un diseño de composición y montaje visual mucho más interesante que Disney a pesar de la animación limitada. La cámara y la computadora que yo uso son obsoletas bajo cualquier criterio de industria actual. Pero para mí el lenguaje cinematográfico no lo decide la cantidad de píxeles en la imagen, sino el cuadro exacto para el corte, cómo mover a los actores en la escena, dónde encuadrar o cómo iluminar. Y sobre todo el tiempo, es preciso invertir en tiempo lo que te falta en presupuesto para lograr lo que quieres.

smArty: ¿A qué se debe que en tus películas frecuentemente la política tenga un peso tan notable?

Miguel Coyula:  Siempre me han interesado los personajes inadaptados y eso invariablemente crea una posición política. Hasta en Cucarachas Rojas, una historia de incesto, está el escrutinio de la sociedad. A mí no me gustan los políticos, lo cual por supuesto no quiere decir que no tenga una opinión sobre ellos y sobre la política. El cine independiente debe tratar los temas incómodos que se evitan en un cine mas complaciente.

smArty: ¿Puedes adelantar algo sobre tu próximo proyecto?

Miguel Coyula: Corazón Azul es una película de ciencia ficción en la que Fidel Castro realiza experimentos genéticos para crear el “Hombre Nuevo” ideal para su sistema. Estos individuos resultan altamente peligrosos e inestables. Rechazados por la sociedad, unen fuerzas para destruir el sistema que los creó. La película está terminada, pero hace poco uno de sus actores ha requerido 2 mil dólares para firmar su derecho de imagen en tres escenas. La cifra es descomunal para una película que se ha filmado durante ocho años precisamente por su falta de financiamiento. Por eso no me ha quedado otra opción que hacer un crowdfunding para liberar la película.

Tampa bay latin Film Festival
18 -20 octubre 2019
433 Central Avenue, St Petersburg, Florida 33701

Anécdotas sobre el origen, entre el gesto performativo y la creación colectiva
14.10.19
Marianna de Marzi

De Venecia, Anécdotas sobre el origen

#VENICE El caluroso verano veneciano ha terminado, pero no sus innumerables eventos artísticos. La ciudad del dux, de hecho, premia las artes durante la 58ª edición de la Bienal de Venecia que se divide en arte contemporáneo, teatro, música y danza, pero también acoge el Festival de Cine anual a finales de agosto. Este clima abierto y dinámico atrae a curiosos y amantes del arte de todo el mundo y parece querer contrastar las ideas políticas nacionalistas difundidas en Italia.

Este contexto estimulante incluye Anécdotas sobre el origenEl proyecto fue concebido y realizado por los curadores internacionales de la Escuela de Estudios Curatoriales de Venecia. Un intercambio, el de ellos, duró cuatro meses, del que surgió casi espontáneamente el concepto de origen, tratado en todas sus facetas, para explorar el potencial inexpresado.

En un intento de crear un vínculo lineal entre el pasado y el presente, la noción de origen se ha anclado en mitos, apoyada por historias estratificadas a lo largo del tiempo. Existen en todas partes y se consideran la estructura portante sobre la que construir toda nuestra existencia. Sin embargo, cuanto más nos detenemos en estos mitos, más se hace necesario cuestionar las estructuras de poder impuestas por los conceptos tradicionales de origen, ya que nos damos cuenta de que se basan en anécdotas, o historias con un propósito recreativo más que historiográfico. La exposición pide una reconsideración de los medios y formas en que se transmiten las narraciones sobre los orígenes para identificar las inconsistencias entre las anécdotas sobre un pasado desconocido y las experiencias vividas por cada uno de nosotros.

Los trabajos presentados en Anécdotas sobre el origen decodificar la noción de origen en sus contextos geográficos, históricos, identitarios y sociales, revelando estructuras de poder aceptadas unánimemente, exaltando rituales y vínculos esenciales y sugiriendo narrativas alternativas.

Para abrir la exposición, Beth Collar con la ópera En serio Uno serie de cabezales cerámicos que aparecen o desaparecen del suelo como un ejército de zombis invadiendo la primera sala de la galería. El artista, cuya práctica examina las fuerzas externas que funden la personalidad y alteran el comportamiento, ha estudiado en este trabajo las expresiones de dolor y estrés en los nudillos de la frente. Para inspirarlo, una investigación científica sobre el trastorno de estrés postraumático de los cráneos de soldados fallecidos. Un encuentro entre la Historia, la de los cuentos de los poderosos y las vicisitudes de los hombres que han sido esclavizados.

Una lectura más geográfica es la de Ella Littwitz. El artista de origen israelí utiliza las plantas para investigar la metáfora del arraigo en un lugar y cómo puede ser explotado con fines políticos. Con Por la Gloria de la Naciónuna instalación extremadamente fuerte en su simplicidad, revela la voluntad del movimiento sionista de establecer la identidad nacional explotando la causa de la repoblación de la fauna local, pero creando bosques artificiales de árboles no autóctonos, plantados en el suelo del Estado de Israel al nacimiento de cada niño, en el borde de un territorio en plena expansión.

Huellas del evento de apertura de Anécdotas sobre el origen, que se celebraron el 29 de agosto pasado, se conservan en Vaso_vacío 05. En esta obra, el gesto performativo, la instalación y la creación colectiva se encuentran en una unión de interacciones y energías que emergen y se fijan sobre láminas de vidrio, fundamento y soporte de la propia obra. Empty_glass, es un proyecto nacido de la colaboración entre Jeschkelanger, un dúo de artistas activos en Berlín, y Hayk Seirig, chef del restaurante Katerschmaus de Berlín. Para esta edición, realizada en colaboración con el prestigioso Hotel Ca’ Sagredo, que ofrece un gran salón de baile ricamente pintado al fresco, el colectivo ha querido invitar a comisarios y periodistas internacionales a un simposio servido sobre vidrio tallado a mano. Los restos del banquete fijados sobre las superficies transparentes se transformaron en una obra pictórica de pigmentos naturales, integrando el espacio expositivo. Un ritual, el de la mesa, que nos une visceralmente a los elementos de la tierra de origen, pero que también acorta las distancias y crea nuevos encuentros gustativos y no sólo.

Arash Nassiri con la película estereoscópica Darwin Darwah, presentado por primera vez en Italia, nos sumerge en una realidad subterránea, la de las catacumbas de París. En este escenario casi de ciencia ficción, producido con imágenes generadas por ordenador, nos encontramos siguiendo con nuestros ojos una luz blanca que, a modo de guía, nos muestra el camino a seguir en los túneles, mientras que una voz distorsionada y sombría nos revela una visión alternativa a la teoría evolutiva. El título “Darwin Darwah”, que en la jerga árabe significa “confusión”, alude a los nuevos mitos difundidos en Internet, según los cuales la historia de París está ligada a las pirámides egipcias, concebidas por extraterrestres que han provocado la extinción de especies prehistóricas y dado origen al hombre en el planeta Tierra.

Otro videoEntrevista al artista antes de Lea Cetera nos permite reflexionar sobre la proyección inducida por el papel social en la construcción de la identidad personal, a partir de la figura de referencia más cercana a ella, la de la artista. Llamada a entrevista, el meme Expansión del cerebro, al final de la exposición, nos recuerda la inmensa posibilidad de opciones, si nos liberamos del papel en el que nos rodean las historias sobre los orígenes.

Una pequeña nota curatorial: desde el balcón de la sala donde se presenta esta última obra, un nuevo punto de vista sobre el ejército de muertos vivientes de Beth Collar, esta vez visto desde arriba. Una advertencia para que el espectador mire la historia con suficiente distancia, cuestionándola constantemente y cuestionando sus historias, para elegir conscientemente la versión que más le convenga.

 

Exposición Anécdotas sobre el origen

en curso hasta el 16 de noviembre de 2019

Galería A más A

Calle Malipiero, 3073, 30124 Venezia VE

Escuela de Estudios Curatoriales Venecia

Artistas

Lea Cetera

Collar Beth

Ella Littwitz

Arash Nassiri

Jeschkelanger

Restaurante de Hayk Seirig

“Hajime No Ippo” de George Morikawa
11.10.19
Bubble

#Manga Probablemente el trabajo que más aprecio de este tipo está siendo abordado. No voy a mentirte, después de leerlo, ¡tenía un deseo furioso de boxear! En este manga de boxeo, encontramos el arquetipo de shōnen, un héroe que no sabe nada de este deporte pero descubre una pasión por él. Bendecido con habilidades esenciales para el boxeo, sin ser un genio, este manga destaca el trabajo y la perseverancia para alcanzar metas personales, una cierta lección de vida en sí misma. Ippo, un escolar maltratado en la escuela, conoce a Takamura Mamoru, un boxeador del club Kamogawa, que viene a salvarlo de la masacre de unos matones a orillas de un río. Ippo se desmayó durante su intervención y Takamura lo llevó al club, donde descubrió el boxeo, mientras le enseñaba a golpear en un saco de boxeo.

Aquí es donde nuestro héroe comenzará su ascenso a los niveles más altos del mundo del boxeo con una pregunta en mente que lo empujará a sobrepasar sus límites y siempre se levantará, “¿Qué significa ser fuerte? ».

Ippo se basa tanto en las peleas en el ring como en las locas aventuras de los miembros del club de boxeo. A diferencia de un Ashita no Joe de Asao Takamori y Tetsuya Chiba o un Riku-Do de Toshimitsu Matsubara, mucho más oscuro en sus intrigas y universos con personajes de fondo poco envidiable, aquí tenemos un manga con una explosiva mezcla de humor y peleas sangrientas en el que aprendemos con nuestro héroe los fundamentos del boxeo, desde el directo hasta el uppercut pasando por el jab y el hook.

Un estilo gráfico atípico pero seductor.
Una serie aún en curso, disponible en Kurokawa Publishing, que ahora tiene 109 volúmenes traducidos (en comparación con 123 en Japón). George Morikawa es el mangaka detrás de este trabajo publicado por primera vez en 1990 en Shōnen Jump. A lo largo de estos 29 años de publicaciones, la progresión gráfica es muy marcada. Es difícil reconocer el trazo de lápiz de los primeros capítulos de los dibujos actuales. Originalmente, más bien incompletos y casi caricaturales en los rostros y sus expresiones, uno podría haber pensado en una obra de humor.

Con el paso del tiempo, toda la obra se ha vuelto más fluida, las peleas, el ritmo, el suspenso y el diseño de los personajes han evolucionado, dando paso a un dibujo más preciso y maduro, más serio, que se adapta mejor a la dirección que toma la obra. El lado un tanto alocado y aproximado de los primeros capítulos fue abandonado durante las escenas de lucha y sólo se usa fuera del ring, excepto en algunas peleas caricaturizadas que sirven como transición entre las peleas mayores. Casi se podía sentir la necesidad del autor de tomarse unos descansos locos para aliviar la presión! La mezcla de seriedad y comedia me convenció personalmente, y George Morikawa es responsable de las expresiones faciales únicas y altamente reconocibles. Desde el punto de vista del anime, hay 3 temporadas y varias películas disponibles hasta la fecha. 3 temporadas que recomiendo encarecidamente, ya que encontramos el ambiente pesado de los combates con resultados inciertos de este manga con una calidad gráfica excepcional, hay claramente un partido con Kuroko’s Basket por mi parte.

“No todos los que trabajan duro son recompensados. Sin embargo! Todos los que tuvieron éxito trabajaron duro!”

Un pequeño grano de arena en el engranaje.
A pesar de todas estas cualidades, es un manga que paga por su duración y edad. Poco a poco, perdemos la esencia original de la obra. Por supuesto, la mezcla de batalla/humor sigue funcionando y Morikawa todavía tiene algunas buenas ideas, pero desde hace unos cincuenta capítulos, no sabemos realmente a dónde va el autor con esto, qué quiere mostrar, si lo sabe Lo cierto es que muchos aficionados se han sentido decepcionados por el giro que ha tomado el espectáculo y tras una larga travesía por el desierto, el rayo de esperanza que reiniciará el espectáculo ya que en su punto álgido parece estar en el horizonte! Mientras tanto, ya tienes 109 volúmenes de felicidad pura!

Por Matthieu Morisset

Hajime No Ippo de George Morikawa

109 volúmenes (a partir de 12 años)

“Bubble click and collent”

 

 

 

 

Banksy: “Shame I didn’t still own it”
10.10.19
Lili Tisseyre

#LONDRES Ni una obra expresionista abstracta ni una escultura monumental en forma de inodoro de oro macizo, la que marcó la Semana de Arte de Londres y catalizó la atención de todo el mundo esta semana es de hecho un lienzo figurativo…. La de la Cámara de los Comunes, oh, cuánto en el corazón de la noticia recientemente, pintado hace unos diez años, pero recientemente reelaborado para convertirlo en una norma de protesta artística contra la aproximación de Brexit…. La obra representa a los parlamentarios ingleses que se han transformado en chimpancés por el momento. La pintura de Banksy, por ser suya, fue expuesta en 2009 en una exposición individual en el Museo de Arte de Bristol antes de ser vendida a un coleccionista privado que decidió venderla en el momento más adecuado para crear sensación en medio de una feria internacional y de la crisis que ahora sacude al Reino Unido desde hace 36 meses tras la votación de Brexit.

El comportamiento de los funcionarios electos en las últimas semanas es particularmente repetido por sus homólogos animales representados en la tabla. ¿Un gesto artístico visionario? En “Faites le mur”, el documental que realizó en 2010, Banksy impone por primera vez el tema del dinero en el arte: ¿Cuál es el valor de una obra de arte: su valor financiero o su valor estético? La obra de Banksy “Devolved Parliament” parece una broma, igual que la venta, y en cualquier caso ha conseguido desviar la atención del centro de atención e inflar el precio de la pintura que quedó bajo el martillo de Sotheby’s por la modesta suma de 9,9 millones de libras esterlinas Hasta la fecha, es la obra más cara de este artista británico que inmediatamente se conmovió en las redes sociales con un lacónico “Shame I didn’t still own it”. Acostumbrados a los giros de las ventas de Street Artist, cuya estrategia de comunicación debe hacer palidecer a los más grandes publicistas (¡Fuera de este cuerpo de Saatchi!), todos permanecimos hambrientos, no sucedió, si no que el precio subió vertiginosamente (¡éste es más que predecible!) ¡Más pruebas de que Banksy no ha terminado de retenernos al final de su anzuelo!

Bienal de Lyon: Pannaphan Yodmanee, la experiencia iniciática
10.10.19
Michel Gathier

#LYON En una Bienal voluntariamente pesimista sobre el futuro del planeta y de la humanidad, la obra poética de Pannaphan Yodmanee, impregnada tanto de ansiedad como de una posible huida a través de la espiritualidad, abre un resplandor en el gris de las antiguas fábricas FAGOR donde se desarrolla la mayor parte de la Bienal de Lyon. Inspirada por las tradiciones de su país natal, Tailandia, y por un monje budista que la introdujo a la pintura de niña, su obra construye un puente, pero también difunde una pregunta entre esta Asia y el espacio occidental donde propone una obra in situ en este antiguo desierto industrial de los tiempos modernos. Porque el tiempo sigue siendo la columna vertebral de un artista inmerso en el pasado y en los ciclos kármicos: nacimiento, muerte y renacimiento.

Las instalaciones imponentes también oponen el macrocosmos al microcosmos cuando, en las tuberías profundas de cemento, uno circula como en un túnel por un viaje iniciático, a menos que se trate de refugiarse allí. Pero a la inmensidad, contrasta la riqueza del microcosmos y la interioridad. En este paisaje en ruinas, las figuras aparecen como un recuerdo del arte parietal. Pero son extremadamente delicadas, a veces apenas visibles, en los límites del borrado, adornadas con colores brillantes y pigmentos dorados. Las pinturas minerales se mezclan con la masa de hormigón. Aquí un árbol se escapa en un hueco hacia el cielo, allí una nube de cemento se cierne sobre él como una amenaza o, de nuevo, una posible elevación.

El arte de Pannaphan Yodmanee es complejo, pero en oposición. Implica la pesada masa del hormigón, la gracia y la ligereza de las figuras que traza en él, la oscura interioridad donde brillan de colores. Estos conductos son también cuevas, lugares subterráneos, recuerdos de un vientre y sus misterios. Penetrarlo sigue siendo una forma de experiencia iniciática cuando uno se enfrenta a la destrucción y al sufrimiento, pero cuando uno ve que en la tierra o hacia el cielo, las fugas permanecen. El arte sería aquí este vínculo entre nosotros y este mundo ansioso que designa. Sería una forma de salvación.

 

Hasta el 5 de enero de 2020

Pannaphan Yodmanee

Antigua Planta Fagor

Documental de Waad Al-Kateab y Edward Watts. Publicado el 9 de octubre de 2019. Waad al-Kateab es una joven siria que vive en Alepo cuando estalla la guerra en 2011. Bajo los bombardeos, la vida continúa. Ella filma diariamente las pérdidas, las esperanzas y la solidaridad de la gente de Alepo. Waad y su marido, el doctor, están divididos entre dejar y proteger a su hija Sama o resistir por la libertad de su país.

Pieter de Hooch a Delft. A la luz de Vermeer
08.10.19
Dominique Vautrin

#DELFT Se trata de una gran retrospectiva que el Museo Prinsenhof de Delft dedica al famoso pintor del siglo XVII Pieter de Hooch (1629 – 1684). Se recogen y presentan por primera vez unos 30 cuadros de De Hooch. Procedente de los principales museos europeos y americanos, es una oportunidad única para que los visitantes descubran sus famosas obras, que a veces nunca antes se habían presentado en los Países Bajos, pero también la oportunidad de estudiar en detalle el estilo y el lenguaje visual de este maestro holandés.
Nacido en Rotterdam en 1629, fue alumno de Berchem y encontró “su madurez” en su “período Delf”. Influenciado por Vermeer y Rembrant, Pieter De Hooch representaba principalmente los interiores y la vida familiar de la rica burguesía. Conocido por sus efectos de luz, su realismo meticuloso y sus colores, se ha convertido, en cierto modo, en el maestro del espacio cerrado de un interior.
Gracias a los diversos préstamos, nunca antes se habían reunido tantas obras maestras de De Hooch en su ciudad de Delft, hasta el 16 de febrero de 2020 se puede visitar el Museo del Prinsenhof para admirar sus más bellas vistas de patios e interiores, donde fueron pintados hace casi 400 años.

“Pieter de Hooch a Delft. A la luz del
“Prinsenhof Museum Delft” de
Vermeer,
del
11 de octubre de 2019 al 16 de febrero de 2020

http://prinsenhof-delft.nl/

“El soñador del bosque” en el Museo Zadkine
07.10.19
Dominique Vautrin

#PARÍS  Bajo el título “El soñador del bosque”, cuarenta artistas se han instalado en el Museo Zadkine. Dedicado al escultor Ossip Zadkine, el museo (un verdadero escenario verde situado en el corazón del sexto distrito de París) ofrece un diálogo de sus obras con artistas modernos y contemporáneos. Los grandes maestros se codean con artistas más íntimos en torno a este eslabón que es “el bosque”. Este espacio, que en su día fue un espacio nutritivo para el hombre, produce el material “madera” para el escultor y una fuente inagotable de inspiración para el artista en general. La emergencia ecológica que afecta a nuestras sociedades de sobreconsumo nos recuerda lo urgente que es dejar de cortar la rama sobre la que estamos sentados. Así que seamos ambiciosos, recreemos un vínculo entre la naturaleza y el hombre. ¿Cómo resistirse a la llamada de quien purga la atmósfera de dióxido de carbono? Vamos, soñemos un poco, vayamos al Museo Zadkine, por un momento, nos purgará la mente combinando “el arte y el bosque”, estimulará nuestras emociones, a veces íntimas y profundas.

 

Del 27 de septiembre de 2019 al 23 de febrero de 2020

El soñador del bosque

Museo Zadkine, 100 bis rue d’Assam, 75006 París

“Kuroko’s Basket” de Tadatoshi Fujimaki
04.10.19
Bubble

#Manga Kuroko’s Basket, originalmente llamado Kuroko no basuke, es uno de los mangas deportivos más populares de Japón. Largo entre los 10 primeros puestos de las ventas japonesas exhibidas en el top Oricon, un top llamado así por la compañía japonesa Oricon que proporciona estadísticas de ventas de la industria del entretenimiento, incluyendo las ventas de manga. Kuroko’s Basketball encontró la receta correcta que convenció a los lectores.

Encontramos a nuestro héroe, Kuroko, un jugador de apariencia sin talento para el baloncesto, no es ni alto, ni rápido, ni duradero, ni hábil. Una introducción relativamente clásica, presentamos a un héroe que parece muy débil y, finalmente, resulta ser extremadamente bueno. Sí, pero aquí está el truco que hizo parte de su éxito es el hecho de que Kuroko es un jugador muy fuerte, pero no puede hacer nada solo Y este es un concepto muy interesante desarrollado por Tadatoshi Fujimaki, que ha hecho posible destacar a varios personajes principales, en lugar de tener uno o dos jugadores muy fuertes y tramas alrededor. Conseguimos apegarnos a muchos personajes e incluso preferimos algunos antagonistas! No decimos nada más, ¡te dejamos que lo descubras por ti mismo!

El autor es un fan de Slam Dunk de Takehiko Inoue y puedes sentir muchas influencias. Adopta un estilo muy refinado, suave y con una estética de los personajes trabajados en la línea fina. Toda la esencia del dibujo se encuentra en los movimientos de los personajes, desde los más extravagantes hasta los más sencillos movimientos de baloncesto, con miradas, una comunicación visual entre los protagonistas para una representación fluida, armoniosa y atractiva.

“Si admiras a una persona, no puedes superarla. »

Estamos jugando horas extras

Tadatoshi Fujimaki es más conocido por haber creado este trabajo de 30 volúmenes publicado a partir de 2009 en el Weekly Shōnen Jump. Continuó surfeando sobre la popularidad de su trabajo publicando un spin-off, Kuroko’s Basket – Extra game, en dos volúmenes. Esta es la continuación de la serie original donde los mejores jugadores de la liga japonesa se reúnen en el mismo equipo para enfrentarse a un equipo americano que les está haciendo pasar un mal rato. Las aventuras de nuestro héroe de pelo azul no se detienen ahí porque también se ha creado un segundo spin-off, Kuroko’s Basket Replace PLUS, una adaptación manga de la novela ligera Kuroko no Basuke Replace de Hirabayashi Sawako, escrita por Tadatoshi Fujimaki pero esta vez diseñada por Ichiro Takahashi, uno de sus ayudantes en la serie original. La serie está todavía en proceso de publicación, el décimo volumen fue publicado el 26 de junio de 2019 por Kazé, el editor francés de la serie 3.

Cuando hablamos de manga, ¡necesariamente venimos a hablar de animes!

Pero, ¿cuál es el valor de la serie de anime Baloncesto de Kuroko?
De la misma manera que el manga, y quizás aún más, la obra se distingue por su alta calidad visual, las escenas de regate rápido son impresionantes
¡
Hablaremos de ello cuando veas el duelo de Kagami contra Aomine! Si el manga es sin duda uno de los mejores mangas deportivos de los últimos años, el anime es quizás el mejor anime deportivo jamás realizado técnica y visualmente. Velocidad, fluidez, estética, doblaje, banda sonora, todo está ahí. Una animación que convenció al gigante SVOD Netflix desde que las 3 temporadas están disponibles en la plataforma y las recomiendo encarecidamente como complemento al trabajo original para tener tu propia idea.

Por Matthieu Morisset

Baloncesto de Kuroko por Tadatoshi Fujimaki

30 volúmenes (a partir de 12 años)

“Bubble click and collent”

 

Paraíso perdido o futuro deseable en la Fundación Bullukian
03.10.19
Michel Gathier

#LYON Parodiando la frase del precursor del cineasta Louis Lumière, “El cine es un invento sin futuro”, el artista italiano Andrea Mastrovito nos ofrece una relectura del mundo a través de un supuesto cambio que nos obliga a observarlo según médiums y normas contrarias a su función original.

Así, sobre una superficie de 110 m2, el artista dispone de un conjunto de marquetería para un mosaico de representaciones de planos míticos del cine. Pero estos reflejan cómo es nuestro mundo: imágenes, ruinas, espacio desarticulado y tiempo insurreccional. Pero el artista, a gusto en todos los registros, se divierte equilibrando esta obra oscura con una libertinaje de colores y formas para una mirada aparentemente ingenua a la explosión de la vida vegetal y animal Pero esta naturaleza se apoderó hasta el extremo hasta el punto de transformarse en el mito es una forma en que Mastrovito nos alerta de las amenazas que enfrenta. Esta naturaleza fantástica e ideal que nos muestra es sólo el resultado de una acumulación de recortes de libros y, por lo tanto, de una transformación de la naturaleza o de documentos plásticos. ¿Sería el horizonte post-humanista post-natural, quedaría sólo la ilustración idealizada de un universo caído? ¿Y el esplendor de un paisaje no sería más que la composición a priori de una extinción programada? En esta obra hay el triste eco de un paraíso perdido, pero también el aliento salvador de otro viaje, de un mundo que hay que rehacer. Y eso es probablemente lo que está en juego en esto Bienal de Lyon. En la Fundación Bullukian, el trabajo de Mastrovito se presenta en paralelo con el de Jérémy Godé en el jardín, tan diferente en forma, pero que resuena con ella como una coda porque está tan involucrada en el mismo compromiso pero a través de la ciencia y la industria. El trabajo curatorial de Fany Robin da como resultado una exposición coherente que se abre a la reflexión.

Para el resto de la Bienal, podemos entonces preguntarnos sobre esta obra curatorial colectiva del mismo Palais Tokyo seraglio que, a pesar de sus obras a veces sorprendentes, ha elegido obras basadas en un suave consenso. A menudo parecen parasitar al otro, jugar a lo gigantesco para superar un significado incierto, de modo que lo mejor está al lado de lo peor de lo reciclable y de lo déjà vu. Esta Bienal, si sigue siendo emocionante, da sobre todo el deseo de seguir a ciertos artistas que, en un marco más modesto, difundirían una reflexión sensible y personal sobre los desafíos del mundo de hoy.

 

Fundación Bullukian, LYON

Hasta el 5 de enero de 2017

Jeremy Gobé “Anthopocene”

Andrea Mastrovito “El mundo es un invento sin futuro”

 

Monumental Albert Oehlen en la Galería Serpentine
02.10.19
Lili Tisseyre

#LONDRES Mientras Frieze acaba de abrir sus puertas, Albert Oehlen, un artista alemán representado por la muy seria y poderosa Galería Gagosian, se hace cargo de la Galería Serpentine como preludio de una de las ferias más de moda. El evento, por supuesto, atrae al habitual avión de coleccionistas, curadores, asesores, personas y jetset que ahora gravitan en cada una de las citas del Arte Contemporáneo desdibujando las pistas un poco más cada día.

En el centro de la institución, una instalación monumental marca el inicio del proceso de interpretación de la Rothko Chapel en Houston, especialmente diseñada para la ocasión por Albert Oehlen. Y son cuatro nuevas pinturas – del mismo tamaño que las de la capilla – las que nos ocupan desde la entrada. Luego en órbita o en diálogo según su posición, con la instalación central, una selección de obras del artista visual alemán nos guía al sonido de una banda sonora de acceso aleatorio que nos acompaña a intervalos regulares en la escenografía.

Fieles a su planteamiento, los gestos surrealistas y las pinceladas expresionistas de Albert Oehlen pretenden escribir una cierta historia de la pintura, empujando sus límites hacia extremos que se atreven a decir lo mínimo. Siguiendo su lógica de deconstrucción – color, línea, movimiento y tiempo – mezcla el estilo abstracto y figurativo y utiliza todo un arsenal de diversas técnicas, desde lo digital hasta el collage e incluso la pulverización para establecer, si aún no es el caso, la demostración de su maestría. Luego queda su lenguaje, sorprendente en este caos bastante sabio y vigilado que siente el dilema, entre el deseo de libertad y los límites del mercado.

 

Albert Oehlen

del 2 de octubre al 12 de enero de 2020

Galerías Serpentinas