“Il profumo amaro degli immortali”
23.10.19
Dominique Vautrin

Documentario di Jean-Pierre Thorn. Uscito il 23 ottobre 2019. L’ardente storia d’amore appassionato – nato nella conca delle dune delle Landes e troppo rapidamente falciato dalla morte – si intreccia con la folle speranza che ci ha fatto nascere nel maggio-giugno 1968.Seguo il filo della mia vita per trovare le figure ribelli che popolavano i miei film: dai lavoratori in lotta negli anni ’70 (con i quali ho condiviso otto anni di vita in fabbrica) ai loro figli nel movimento hip-hop….. e oggi giubbotti gialli da una rotonda di Montabon. Insieme, compongono un affresco luminoso che si estende e risponde alle lettere del mio amante e mostra quanto la rabbia di maggio sia più viva che mai: come le braci che lisciano sotto la cenere.

Florentine Lamarche e Alexandre Ovize, connessioni grafiche!
22.10.19
Marlène Pegliasco

#Disegno Drawing Lab un centro d’arte dedicato al disegno contemporaneo, espone fino all’inizio degli anni ’90 9 gennaio 2020 i disegni del duo di artisti Lamarche fiorentino e Alexandre Ovize.Nutrito dal lavoro del geografo Elisée Reclus (1830-1905) e più in particolare i libri “Storia di una montagna” e “Storia di un ruscello”la mostra presenta una grande serie di disegni nella loro interezza. Con una sensibilità ispirata alArt NouveauNel processo, i dettagli creano forme plastiche che creano un linguaggio visivo che produce connessioni grafiche e colorate. I fiori, motivo ricorrente del loro lavoro, attraversano la storia dell’arte in modo simbolico e naturale per creare paesaggi urbani. Questa coppia di artisti, che vivono in Aubervilliersutilizza elementi semplici per creare immagini potenti come indagini formali.

Marlene Pegliasco Raccontaci del tuo background.

Lamarche fiorentino e Alexandre Ovize Abbiamo studiato a la Scuola di Belle Arti di Lione allora quelli di Parigi. Un percorso abbastanza classico, tutto sommato. Poi, ci siamo incontrati durante una mostra collettiva al Point Ephémère. Con Sarah Tritz, abbiamo progettato un volume eterogeneo che costituisce la spina dorsale della mostra. Questa esperienza comune intorno al volume e al design è continuata per due persone. Lavoriamo con due teste da una dozzina d’anni ormai.

Marlene Pegliasco: Come ha funzionato il progetto espositivo con la Laboratorio di disegno?

Lamarche fiorentino e Alexandre Ovize : Ci eravamo incontrati con Solenn Morellil curatore della mostra, durante la mostra, durante la mostra “Notizie dal nulla” al Centre d’Art Contemporain Les Capucins a Embrun. Questo testo visionario sulla Comune è di William Morrisil fondatore del movimento Arti & Mestieri nato a Inghilterra nella seconda metà dell’anno, nella seconda metà dell’anno XIX secolo. Lui è molto poetico e prende posizioni umane in relazione alla natura e al posto dell’uomo nella società. È anche un’allerta sull’evoluzione industriale e sul consumo eccessivo. Il suo ideale è vivere felicemente producendo artigianato. E’ stato allora che abbiamo scoperto il lavoro del geografo Elisée Reclus. I suoi libri sono in linea con la visione ideale di Morris. La natura onnipresente è al centro di ogni rapporto organico. Ciò implica il rispetto per gli altri e il principio del libero scambio. Queste sono nozioni che ci hanno parlato e che abbiamo aggiornato in un contesto tutt’altro che utopico e che ci ha portato ad una società più umana. Infine, è un grande poeta che ha lavorato con molti illustratori.

Marlene Pegliasco: Come si traducono i suoi lavori in disegni?

Lamarche fiorentino e Alexandre Ovize : La mostra inizia con un ritratto diElisée Reclus e i suoi viaggi, quello che ha passato. Poi troviamo quindici disegni di paesaggi tratti dalle sue esplorazioni. I disegni sono stati concepiti a volte come mappe, a volte come erbari. Ogni pianta è trattata singolarmente ma inserita in un’immagine globale, un paesaggio esotico formato da linee sinuose.

Marlene Pegliasco: Cosa significa per te il disegno?

Lamarche fiorentino e Alexandre Ovize : Disegno è sinonimo di semplicità, puoi usarlo dove vuoi. Prima di tutto, siamo appassionati di fumetti. Allora, ci sembra ovvio. Il disegno è un’estensione della mano.

Marlene Pegliasco: Quali sono le tue novità?

Florentine Lamarche e Alexandre Ovize: Esponiamo ceramiche al Design Parade de Toulonfatto nei nostri forni. Poi abbiamo un’esposizione di gruppo all’evento Centro Nazionale del Grafico Le Signe de Chaumont e un altro personale al FRAC de Caen che comincera’ da gennaio 2020. Infine, abbiamo un progetto con lo studio di architettura NeM composto da Thibaud Marca e Lucie Niney per la creazione della sala da tè Mulot all’interno della casa di Victor Hugo a Parigi. Un lavoro di lunga durata che ci porterà a sperimentare il disegno di nuove texture poiché collaboreremo con il pasticcere.

#PARIS I più grandi maestri italiani del Rinascimento sono attualmente riuniti a Parigi. Il Museo Jacquemart André offre una selezione della collezione Alana (conservata negli Stati Uniti). E’ visibile fino al prossimo gennaio. Come non cadere nell’ammirazione per tutti questi capolavori, dipinti, sculture, opere d’arte inedite e rappresentative di un’Italia risorgimentale? È la “Rinascita”, la fine del Medioevo, le società europee stanno cambiando e l’Italia è davanti agli altri paesi per la sua effervescenza artistica. Gli artisti italiani sperimentano nuove rappresentazioni dello spazio, portando alla luce il patrimonio dell’antichità greca e romana, che permetterà in particolare alla pittura fiorentina del XV secolo di liberarsi dalla visione medievale.
Questa collezione, ritenuta molto preziosa e misteriosa, vi porterà dal XIV al XVI secolo, da Firenze al Veneto, dal gotico al manierismo. La scenografia è luminosa come le opere, Hubert le Gall si è astenuto dal sovraccaricare le piccole sale del Museo, il tutto ha un legame con il tempo, un qualcosa che esalta dettagli e colori, un qualcosa di barocco.
Il Museo Jacquemart André vi offre questo viaggio nella storia di una collezione, nella storia dell’arte e, naturalmente, nella spiritualità per i credenti. Per gli infedeli, la fede può essere prima di “Cristo Redentore”

Cristo come uomo di dolore” di Cosimo Rosselli.

La collezione Alana
Museo Jacquemart André
Dal 13 settembre al 20 gennaio
158 Bd Haussmann 75008 Parigi

Haikyu! – Gli assi della pallavolo
18.10.19
Bubble

#Fumetti È il manga sportivo del momento, sesto nel TOP Oricon in Giappone nel 2017, è arrivato quinto nel 2018, classificandosi appena dietro il riavvio di Slam Dunk in vendite cumulative nel corso dell’anno. Un fenomeno piuttosto divertente perché vedrete che c’è ancora una certa somiglianza con Slam Dunk.

 

Come spesso negli shōnen, seguiamo la storia di un eroe che non è bravo nello sport che pratica ma che ha enormi capacità latenti e attraverso l’allenamento diventerà, lo avete indovinato ma lo dico comunque, un mostro in questo sport. Qui seguiamo Hinata, un piccolo giocatore di pallavolo (170cm) che sogna di diventare il miglior smasher all’ingrosso. Anche se piccolo, compensa questo grande divario (amiamo lo sport ma anche i giochi di parole) con agilità, rilassamento e riflessi straordinari che girano sul campo. Lui e Kageyama, un geniale passatore dal carattere terribile, rivali in un primo momento diventeranno i migliori alleati perché solo Hinata può distruggere i passi supersonici del nostro brutto anatroccolo e solo lui può ottenere il pieno potenziale dai talenti del nostro eroe. Una coppia d’oro in una squadra che naturalmente come è comune avrà un solo obiettivo, quello di partecipare ai campionati nazionali.

Di Matthieu Morisset

Haikyu! – Les As du Volley, 34 volumi – Kazé (serie attuale)

“Bubble click e collent”

 

 

News Facts: Il “must see” della Settimana dell’Arte di Parigi è un must
17.10.19
Lili Tisseyre

#Parigi Fondata nel 1946 da Sonia Delaunay e Auguste Herbin, tra gli altri, la mostra “Réalités Nouvelles” lavora ogni anno da più di settant’anni per fornire una cassa di risonanza essenziale per l’Arte Astratta, come il grande granaio d’Arte Contemporanea installato nel Grand Palais per l’arte contemporanea FIAC non riesce ad eclissarsi.

Il Salon “Réalités Nouvelles” dovrebbe, a quanto pare, essere intitolato al poeta Guillaume Apollinaire che, nel 1912, impregnato dell’importanza di questo nuovo ordine artistico che fiorì intorno a lui, cercò, con questo nome misterioso, di dargli una possibilità di essere accettato dal grande pubblico.

Sempre stimolanti, più di sette decenni dopo, queste “Nuove Realtà“, attraversate da molte sfide, sono rimaste sotto il segno dell’astrazione e dell’incontro. Questo fine settimana accolgono 400 artisti al Parc Floral. Disegno, pittura, incisione, scultura, scultura, fotografia, video, una bellissima selezione per dare un’idea della vivacità di questo “movimento” e dell’agilità intellettuale degli artisti che lo rivendicano.

All’indomani della guerra, la loro situazione sociologica era difficile. Oggi potrebbe esserlo ancora di più. Ciò che il salone offre non è una rete, ma l’idea stessa del collettivo che è alla base stessa dell’arte astratta. “New Realities” è la possibilità per ogni artista ospite di costruire qualcosa insieme, in una dinamica che non è né quella del mercato né quella dei musei. Si tratta qui di incontrarsi, di confrontarsi, di confrontarsi con le opere, anche con le generazioni. Quest’anno, la Fiera invita artisti dal Montenegro e dalla Cina in particolare, e con lo stesso spirito, i giovani con diplomi recenti o in scuole d’arte esporranno il frutto del loro lavoro. Ma l’associazione che organizza la mostra annuale suona comunque l’allarme in risposta alle dichiarazioni del Ministro della Cultura sulla remunerazione degli espositori, perché se “New Realities” permette ad ogni artista di vendere le proprie opere di comune accordo e non prende commissioni sulle vendite, il sistema volontario su cui si basa l’associazione tocca i limiti dell’investimento personale degli artisti membri e dei membri dell’ufficio. L’associazione chiede quindi una riflessione comune e concertata che sarà probabilmente al centro delle discussioni nei corridoi del Salon.

In questa edizione del 2019, la giovane generazione è in movimento, in totale connessione con le preoccupazioni socio-politiche del suo ecosistema. Guardiamo poi le sculture di Alexandra Renne, neolaureata alle Beaux-Arts de Paris con una prospettiva diversa. La ripetizione di gesti insita nel processo di creazione delle sue opere come “organizzazione-assemblaggio-costruzione-taglio-forma” sono una riflessione introspettiva sull’emozione creata dai materiali e sul ritmo che essi inducono nei volumi quando la scultura emerge. Diplomatosi, quest’anno, della prestigiosa istituzione parigina e presentato al Salon, i dipinti di Gaëtan Di Pizio. Una vasta mappatura del vostro spazio mentale con ampie aree piatte di colori brillanti le cui molteplici linee, punti e altri segni digitali codificano o decodificano la nostra interpretazione della realtà che ci circonda e ci immerge in un universo jazz o funky a seconda dello stato d’animo del nostro incontro con l’opera.

 

Salone delle novità

dal 19 al 21 ottobre

Parco floreale di Parigi

 

 

FIAC 2019 Istruzioni per l’uso e la sopravvivenza
16.10.19
Lili Tisseyre

#Più passano gli anni, più l’offerta artistica al momento di una fiera si diversifica, diventando presto un’idra quasi incontrollata o addirittura incontrollabile. Appena usciti da una digestione londinese più o meno riuscita, eccoci qui ad attraversare la Manica per apparecchiare di nuovo la tavola, spesso con le stesse gallerie, le stesse mani da stringere in cocktail e gli stessi sorrisi sui loro volti per scoprire la programmazione più o meno pericolosa di gallerie, musei e altre istituzioni. Quest’anno FIAC amplia ulteriormente la sua influenza e si impadronisce definitivamente del Petit Palais e di Eisenhower Avenue per offrire eventi e spettacoli durante i quattro giorni. Torneremo più avanti sulle selezioni esposte negli stand, per focalizzarci sugli eventi satellitari.

I festeggiamenti non hanno atteso l’apertura della Fiera per iniziare, come quello che stiamo vivendo a Miami, Londra o Basilea per permettere a tutti di associarsi direttamente o indirettamente e co-brand o etichettare il proprio evento con la parola “FIAC”. Così, a partire da venerdì scorso, potremmo correre per la capitale per scoprire fino a Le Grand Paris (Understand Le Bourget, Pantin e Montreuil con alcune incursioni nel XVIII e XIX secolo) la bella edizione di Avant Première, un programma ricco ed emozionante nelle gallerie parigine e periferiche: Coté Marais, e in modo non esaustivo, Xippas offre una doppia esposizione in entrambi gli spazi della galleria: dipinti e disegni di James Siena e grandi formati del fotografo americano Joel Sternfeld (di cui discuteremo ancora a breve), Suzanne Tarasiève propone anche una doppia mostra in due luoghi distinti in rue Pastourelle, la prima è una mostra collettiva, “Woods”, che riunisce diversi artisti della galleria che lavorano il legno o che ne sono fortemente ispirati, da Eva Jospin a R. Penck. La seconda mostra è dedicata alle ultime creazioni dell’artista visivo Jorge Immendorff, che ha abbandonato Pollock e Picasso, e ci invita a venire in soccorso per un oscuro omaggio a Goya o Durer Max Ernst o Broodthaers, un modo per liberarci dai codici estetici di una pittura che egli considera piacevole. Più avanti, Rue Beaubourg, sono le grandi tele di Paul Mignard, vincitore del premio della Fondazione Emerige 2018, che ci riportano ad un tema scottante, quello della crisi ambientale e sociale Galleria Backslash, più a nord, propone una personale dell’americano Fahamu Pecou fino al 26 ottobre e mette in evidenza, in parallelo, nella fiera ultra trendy e alternativa “Private Choice” France Bizot & Michael Zelehoski. A Pantin, poi, nella monumentale “cattedrale” di Taddeo Ropacperdiamo la testa e il senso del tempo con il “capovolto” di Georges Baselitz della sua serie “Time”.

Infine, lasciamo definitivamente Parigi per andare nelle regioni, dove anche lì, approfittiamo degli occhi rivolti verso la Francia per mostrare il suo fascino. Tutti i Fracs, la cui programmazione è indicata sul sito FIAC, sono impegnati in una dissolutezza di proposte, ciascuna più convincente dell’altra. Ai margini di questa pletora di offerte, vale la pena notare Poitiers, che fa parte del paesaggio con “Traversée/Kimsooja”un viaggio artistico attraverso la città progettato in stretta collaborazione con l’artista dal neo-direttore del Palais de Tokyo Emma Lavigne. Infine, più a sud, verso I macelli di Tolosa per la grande retrospettiva, che vi invitiamo a visitare qui, dedicata al malizioso artista pop Peter Saul!

 

La lista sembra infinita, ce n’è per tutti i gusti (e per tutte le tasche)….. La caduta non sarà triste!

 

FIAC e Co

17-20 ottobre 2019

Grand Palais

 

Documentario di Amélie Ravalec. Uscito in Francia il 16 ottobre 2019. Un viaggio nell’arte, nella follia e nell’inconscio. Un’esplorazione di artisti visionari e di impulso creativo, dai maestri fiamminghi ai romantici, al surrealismo e all’Art Brut.

Un disegno….. una linea! “Arrenditi a te stesso”
15.10.19
Marlène Pegliasco

“Inventa situazioni singolari nell’ambientazione spaziale del suo disegno. I suoi strani personaggi, metà neri, metà bianchi, metà umani, metà divinità, ci offrono una storia da costruire, una narrazione aperta che sollecita le nostre fantasie, per esorcizzare, senza dubbio il nostro male – per essere attuali. Queste poche parole dell’artista Patrick Sirot descrivono accuratamente le opere di William Bruet. Il suo universo enigmatico e lineare si interroga sulle questioni di attualità. Maschere autoctone, paesaggi fantasmagorici, a volte con una doppia lettura: i suoi disegni posca sono ricchi di iconografia contemporanea catturata in due colori. Curatore della mostra per l’associazione d’arte contemporanea PLAC, l’artista di Tolone lavora in diversi progetti locali. Il suo disegno “La Veilleuse”, è appena entrato nelle collezioni d’arte contemporanea del dipartimento del Var.

Marlène Pegliasco: Puoi descrivere il tuo percorso professionale?

William Bruet: Il mio nome è William Bruet e sono nato il 17 marzo 1985 a Tolone. Ho avuto la fortuna di avere una madre che mi ha aperto al mondo e alla cultura fin dalla più tenera età. Sono cresciuto con molti background artistici come il teatro, il circo e la ceramica. Per quanto posso ricordare, ho sempre disegnato e ho capito molto presto che sarei stato un costruttore. Durante gli anni di scuola ho incontrato l’artista Bruno Vigoroso. È diventato un mentore per me, mi ha accolto nel suo laboratorio e mi ha iniziato a molte pratiche artistiche. Ho poi frequentato la Scuola di Belle Arti di Tolone dove ho ottenuto il mio DNSEP nel 2010. Da quel giorno, ho continuato ad evolvere il mio universo e a condividerlo attraverso i miei lavori e le mie mostre. Ho lavorato con molti partner come il dipartimento del Var, l’Università di Tolone o l’associazione Le Bazar du lézard con cui ho realizzato opere collettive e numerosi affreschi in tutto il paese. Negli ultimi anni ho lavorato con la coreografa e ballerina Simonne Rizzo e ho avuto l’opportunità di vedere il mio universo trasposto nel mondo delle arti performative.

M.P.: Raccontaci del tuo disegno in generale

W.B.: Il disegno è un viaggio, un viaggio intorno al mondo….attraverso il tempo…al centro di me…iniziatico. Quando disegno, comincio sempre a svuotare la mente e a tagliare ogni nozione di tempo….. L’uso del bianco e nero è qualcosa di sacro per me, il contrasto mi permette di creare spostamenti spettacolari. Attraverso i miei disegni e le deviazioni fotografiche, la mia mitologia personale distilla un universo oscuro, enigmatico, pieno di segni e simboli. A diretto contatto con la realtà, l’attualità contemporanea coesiste con le leggende popolari o le tante rappresentazioni di civiltà scomparse ed esistenti, e il vero legame di tutte le sue influenze è nel corpo e su di esso….. Il fasto, le maschere e le modifiche corporee si creano e rompono il diktat contemporaneo del corpo normed, lineare, identificabile. Per me, si tratta di ripensare il corpo e di appropriarsene tagliando corto ogni identificazione, qui i volti sono nascosti, i corpi enigmatici. Il dubbio è molto importante. Non sto parlando degli occhi dell’uomo, ma dell’immaginazione che è in grado di produrre. La mia intenzione è quella di invitare il lettore ad una vera e propria decifrazione del mio lavoro. I miei disegni si tingono di intenzioni metafisiche, di mistero, persino di misticismo. Ritorno consapevolmente a quello che Antonin Artaud è stato all’origine di tutta una parte di quella che oggi si chiama performance: il desiderio di iscrivere l’arte in una funzione sacra, che deriva dal concetto classico di rappresentazione.

M.P.: Perché usi la posca nella tua creazione?

W.B.: Il primo vantaggio nell’uso della posca è che mi permette di lavorare su diversi supporti e di ottenere un nero opaco, che ha creato un interessante divario con la luminosità delle mie fotografie. La gamma posca esistente mi permette di lavorare da molto sottile (1mm) a molto spesso (15mm). Quando ho bisogno di riempire masse molto grandi, tutto quello che devo fare è smontare i miei pennarelli e venire a prendere il loro contenuto da loro.

M.P.: Come insegni a disegnare nei laboratori didattici che conducete?

W.B.: Non mi considero un insegnante, ma un soffiatore di idee. I bambini hanno un’immaginazione traboccante e basta poco per innescare in loro l’atto creativo. Mi piace condividere le mie conoscenze mentre scopro la storia dell’arte. La cosa più importante per me è aprirli al mondo e introdurli a diversi media artistici. Realizziamo collage, sculture, fotografie, dipinti o video. Voglio anche creare lavori collettivi con loro. È molto importante per me profanare l’opera d’arte e prendere coscienza del potere di “fare insieme”.

 

Ritratto di disegnatore:

Se tu fossi un disegno? “Pugno in bocca” di Roland Topor

Qual è la tua tecnica preferita? L’uso improprio dell’immagine.

Il supporto più insolito? La terra. Vorrei fare un geoglifico su larga scala.

“Il disegno e’ come…..”? Per arrendersi a se stessi.

 

www.williambruet.com

 

Miguel Coyula: Il cinema indipendente deve affrontare argomenti scomodi!
14.10.19
Ernesto Santana

#TAMPA (Florida) Mentre la seconda edizione del Tampa Bay Latin Film Festival si svolge dal 18 al 20 ottobre, smArty ha incontrato uno degli ospiti, il regista cubano Miguel Coyula, che presenta il suo ultimo film, Nadie, un documentario sullo scrittore cubano Rafael Alcides.

Miguel Coyula, diplomato alla Scuola di Cinema e Televisione di San Antonio de Los Baños, inizia la sua carriera di regista con l’acclamato Cucarachas rojas, un’acuta critica della società attraverso una storia dell’incesto, seguita da Memorias del desarrollo, tratto dall’omonimo romanzo di Edmundo Desnoes, le cui Memorias del Subdesarrollo hanno ispirato la famosa versione cinematografica di Tomás Gutiérrez Alea.

 

“Il cinema indipendente deve affrontare i temi scomodi che si evitano in un cinema più compiacente.” Miguel Coyula

 

 

Il regista ha gentilmente risposto ad un breve questionario su Nessuno e sul suo lavoro in generale in occasione della sua partecipazione al festival del cinema giovane nella città di Tampa.

smArty: Come si è concretizzata finora l’accoglienza internazionale di questa sua nuova produzione?

Miguel Coyula: Nessuno ha avuto un inizio molto promettente con il premio per il miglior documentario al Dominican Global Film Festival. Dopo l’incursione della polizia e della Sicurezza di Stato, quando abbiamo cercato di proiettarla alla Casa Galería El Círculo a Cuba, la fortuna è cambiata. Credo che la morte di Fidel (Castro) sia stata molto recente. Il film è stato rifiutato al Festival di Mar del Plata dopo essere stato accettato, e successivamente il Ministero degli Affari Esteri di Buenos Aires ha cancellato una proiezione. Il Miami International Film Festival non era interessato e quando fu finalmente inserito nel Coral Gables Art Cinema ci furono alcune reazioni di rabbia che Alcides si definì socialista o rispettato Che. Le critiche fuori da Cuba sono state buone. Ma soprattutto ci sono stati forti dibattiti e discussioni, ed è proprio questo che mi interessa. La proiezione più impressionante è stata al MoMA. Ma penso che ora che il film si sta muovendo, sta circolando molto nelle università.

smArty: Come è stato ricevuto a Cuba?

Miguel Coyula: Per i critici cinematografici che vivono sull’isola, il film non esiste, nel bene e nel male. Credo che Cuba soffra di autismo morale in questo senso. Molte persone mi dicono che l’ho visto, perché ci sono copie digitali a diffusione lenta. È triste, perché di tutti i miei film penso che sia il più accessibile ad un pubblico cubano più generale per l’onestà e la capacità comunicativa di Alcides.

smArty: Nei suoi criteri di regista, quali caratteristiche del suo cinema precedente continuano in Nobody e quali ritiene nuove?

Miguel Coyula: E’ un film, come Memorie dello sviluppo, su uno scrittore deluso della Rivoluzione Cubana, con la differenza che è rimasto nel paese vivendo in esilio. Anche le personalità di entrambi sono molto diverse: Alcides trabocca di passione e romanticismo, mentre Sergio è più scettico e attento. Memorias del desarrollo è stato un film con grande enfasi sull’immagine per contrastare la passività del suo protagonista. Ecco perché volevo che nessuno fosse costruito e che si rivolgesse alla forza della parola. Il novanta per cento del film è la voce di Alcides in un genere documentaristico molto accigliato: “le teste parlanti”. In questo caso, ho deciso di usare elementi di finzione e animazione dietro e davanti ad Alcides per completare le idee e creare un flusso di coscienza che rafforzasse la soggettività. Che si tratti di un romanzo o meno, i critici possono dirlo.

smArty: L’estetica visiva del vostro cinema è considerata molto avanzata, in quanto indipendente e proveniente da un paese tecnologicamente molto arretrato. Come lo spieghereste al grande pubblico?

Miguel Coyula: Sono stato molto influenzato dagli anime. I giapponesi non avevano grossi budget per animare 24 fotogrammi al secondo come la Disney, ma si sono concentrati su un disegno compositivo e montaggio visivo molto più interessante della Disney nonostante l’animazione limitata. La fotocamera e il computer che uso sono obsoleti secondo gli attuali criteri industriali. Ma per me il linguaggio cinematografico non è deciso dalla quantità di pixel nell’immagine, ma dall’immagine esatta per il taglio, come muovere gli attori nella scena, dove inquadrare o come illuminare. E, soprattutto, è necessario investire nel tempo ciò che manca nel budget per ottenere ciò che si vuole.

smArty: Perché nei suoi film la politica ha spesso così tanto peso?

Miguel Coyula: Sono sempre stato interessato a personaggi disadattati e questo crea invariabilmente una posizione politica. Anche in Cucarachas Rojas, una storia di incesto, è lo scrutinio della società. Non mi piacciono i politici, il che ovviamente non significa che non ho un’opinione su di loro e sulla politica. Il cinema indipendente deve affrontare i temi scomodi che vengono evitati in un cinema più compiacente.

smArty: Puoi dire qualcosa sul tuo prossimo progetto?

Miguel Coyula: Blue Heart è un film di fantascienza in cui Fidel Castro esegue esperimenti genetici per creare l'”Uomo Nuovo” ideale per il suo sistema. Queste persone sono altamente pericolose e instabili. Respinti dalla società, uniscono le forze per distruggere il sistema che li ha creati. Il film è finito, ma recentemente uno dei suoi attori ha richiesto 2 mila dollari per firmare il suo diritto di immagine in tre scene. La cifra è enorme per un film che è stato girato per otto anni proprio a causa della mancanza di fondi. Ecco perché non ho avuto altra scelta che fare un crowdfunding per far uscire il film.

Tampa bay latin Film Festival
18 -20 ottobre 2019
433 Central Avenue, San Pietroburgo, Florida 33701

Anecdotes on Origin, tra gesto performativo et creazione colletiva
14.10.19
Marianna de Marzi

Da Venezia, Anecdotes on Origin

#VENEZIA La calda estate veneziana si é ormai conclusa, ma non i suoi innumerevoli eventi artistici. La città del doge infatti premia le arti durante la 58esima edizione della Biennale di Venezia, che si declina in arte contemporanea, teatro, musica e danza, ma accoglie anche l’annuale attesissimo Festival del Cinema di fine agosto. Questo clima cosi aperto e dinamico attira curiosi e art-lovers da ogni parte del globo e sembra voler contrastare idee politiche nazionalistiche diffuse nel Belpaese.

In questo contesto stimolante si inserisce Anecdotes on Origin, mostra in corso fino al 16 novembre alla galleria A plus A di Venezia, progetto ideato e realizzato dai curatori internazionali della School for Curatorial Studies Venice. Uno scambio, il loro, durato quattro mesi, dal quale é emerso quasi spontaneamente il concetto di origine, trattato in tutte le sue sfaccettature, fino ad esplorarne le potenzialità inespresse. 

Nel tentativo di creare un collegamento lineare tra passato e presente, la nozione di origine é stata ancorata a miti, avvalorati da storie stratificate nel tempo. Essi esistono ovunque e vengono considerati come la struttura portante sulla quale costruire la nostra intera esistenza. Più ci si sofferma su tali miti pero’, più diventa necessario rimettere in discussione le strutture di potere imposte dai tradizionali concetti di origine, in quanto ci si accorge che esse sono fondate su aneddoti, ovvero racconti con un fine ricreativo più che storiografico. La mostra esorta proprio a riconsiderare i mezzi e le modalità con cui le narrazioni sulle origini vengono trasmesse per identificare le incongruenze tra aneddoti su un passato inconoscibile e le esperienze vissute da ognuno di noi. 

Le opere presentate in Anecdotes on Origin decodificano la nozione di origine nei suoi contesti geografico, storico, identitario e sociale, svelando strutture di potere unanimemente accettate, esaltando rituali e legami imprescindibili e suggerendo narrazioni alternative. 

Ad aprire la mostra, Beth Collar con l’opera Seriously. Una serie di teste in ceramica che appaiono o scompaiono dal pavimento come un esercito di zombie che invade la prima sala della galleria. L’artista, la cui pratica esamina le forze esterne che fondono la personalità e alterano il comportamento, ha studiato in quest’opera le espressioni di pena e stress sulle zigrinature della fronte. A ispirarla, una ricerca scientifica sul disturbo da stress post-traumatico a partire da crani di soldati deceduti. Un’incontro/scontro tra la Storia, quella dei racconti dei potenti e le vicissitudini degli uomini che sono stati asserviti. 

Una lettura più geografica é quella data da Ella Littwitz. L’artista di origine israeliana usa le piante per investigare la metafora del radicamento a un luogo e come essa possa essere sfruttata per fini politici. Con For the Glory of the Nation, un’istallazione estremamente forte nella sua semplicità, Ella svela la volontà del movimento sionista di fondare l’identità nazionale sfruttando la causa del ripopolamento della fauna locale, ma creando foreste artificiali di alberi non autoctoni, piantati sul suolo dello Stato d’Israele alla nascita di ogni bambino, ai confini di un territorio in piena espansione.  

Tracce dell’evento di apertura di Anecdotes on Origin, tenutosi il 29 agosto scorso, sono conservate su Empty_glass 05. In quest’opera, gesto performativo, istallazione e creazione collettiva si incontrano in un connubio d’interazioni ed energie che emergono e si fissano su lastre di vetro, fondamento e supporto dell’opera stessa. Empty_glass, è un progetto nato dalla collaborazione tra Jeschkelanger, duo di artiste attive a Berlino, e Hayk Seirig, chef del ristorante Katerschmaus di Berlino. Per questa edizione, realizzata in partnership con il prestigioso Ca’ Sagredo Hotel, che ha messo a disposizione una grande sala da ballo riccamente affrescata, il collettivo ha voluto invitare curatori internazionali e giornalisti per un simposio servito su pregiato vetro tagliato a mano. I resti del convivio fissati sulle superfici trasparenti si sono quindi trasformati in opera pittorica dai pigmenti naturali, integrando lo spazio espositivo della mostra. Un rituale, quello della tavola, che ci unisce visceralmente agli elementi della terra d’origine, ma che accorcia anche le distanze e crea nuovi incontri gustativi e non solo.

Arash Nassiri con il film stereoscopico Darwin Darwah, presentato per la prima volta in Italia, ci immerge in una realtà sotterranea, quella delle catacombe di Parigi. In questo scenario quasi fantascientifico, prodotto con immagini generate al computer, ci si ritrova a seguire con lo sguardo una luce bianca che come una guida, ci indica il percorso da seguire nei tunnel mentre una voce distorta e cupa ci rivela una visione alternativa alla teoria evoluzionistica. Il titolo, “Darwin Darwah”, che in gergo arabo significa “confusione”, allude ai nuovi miti trasmessi su Internet, secondo cui la storia di Parigi sarebbe legata alle piramidi egiziane, concepite da extraterrestri che avrebbero provocato l’estinzione di specie preistoriche e dato origine al genere umano sul pianeta Terra.  

Un altro video, Artist Interview di Lea Cetera consente di riflettere sulla proiezione indotta dal ruolo sociale sulla costruzione dell’identità personale, partendo dalla figura di riferimento a lei più vicina, quella dell’artista. Richiamo all’intervista, il meme Expanding Brain, posto alla fine della mostra, ci ricorda l’immensa possibilità di opzioni, se ci si svincola dal ruolo nel quale le storie sulle origini ci confinano. 

Piccola nota curatoriale: dalla balconata della sala in cui é presentata quest’ultima opera, un nuovo punto di vista sull’esercito di morti viventi di Beth Collar, questa volta visto dall’alto. Un monito per lo spettatore a guardare con distanza sufficiente, mettendo in discussione senza sosta la Storia e le sue storie, per scegliere consciamente la versione che più gli si addice.

 

Mostra Anecdotes on Origin

in corso fino al 16 novembre 2019 

Galleria A plus A

Calle Malipiero, 3073, 30124 Venezia VE

School for Curatorial Studies Venice – 

Artisti 

Lea Cetera 

Beth Collar 

Ella Littwitz 

Arash Nassiri 

Jeschkelanger 

Ristorante di Hayk Seirig 

“Hajime No Ippo” di George Morikawa
11.10.19
Bubble

#Manga Probabilmente il lavoro che ho apprezzato di più di questo tipo viene affrontato. Non ho intenzione di mentire a voi, dopo che è stato letto, ho avuto un desiderio furioso di boxare! In questo manga della boxe, troviamo l’archetipo dello shōnen, un eroe che non sa nulla di questo sport ma scopre la passione per esso. Dotato delle competenze essenziali per la boxe, senza essere un genio, questo manga mette in evidenza il lavoro e la perseveranza per raggiungere gli obiettivi personali, una certa lezione di vita in sé. Ippo, uno studente maltrattato a scuola, incontra Takamura Mamoru, un pugile del Kamogawa club, che viene a salvarlo dal massacro per mano di teppisti sulle rive di un fiume. Ippo svenne durante il suo intervento e Takamura lo portò al club, dove scoprì la boxe, mentre gli insegnava a colpire in un sacco da boxe.

Qui è dove il nostro eroe inizierà la sua ascesa ai più alti livelli del mondo della boxe con una domanda in mente che lo spingerà a spingere i suoi limiti e ad alzarsi sempre: “Cosa significa essere forti? ».

Ippo si basa tanto sulle lotte sul ring quanto sulle folli avventure dei membri del pugilato. A differenza di un Ashita no Joe di Asao Takamori e Tetsuya Chiba o di un Riku-Do di Toshimitsu Matsubara, molto più oscuro nei loro intrighi e universi con personaggi con sfondi invidiabili, abbiamo qui un manga con un mix esplosivo di umorismo e lotte sanguinose dove impariamo con il nostro eroe le basi della boxe, dal vivo al montante attraverso il jab e il gancio.

Uno stile grafico atipico ma seducente.
Una collana ancora in corso, disponibile presso la Kurokawa Publishing, che conta ora 109 volumi tradotti (contro i 123 del Giappone). George Morikawa è il mangaka dietro questo lavoro pubblicato per la prima volta nel 1990 su Shōnen Jump. Nel corso di questi 29 anni di pubblicazioni, la progressione grafica è molto marcata. È difficile riconoscere il tratto di matita dei primi capitoli dei disegni attuali. In origine, piuttosto abbozzato e quasi caricaturale nei volti e nelle loro espressioni, si sarebbe potuto pensare ad un’opera di umorismo.

Nel tempo l’intera opera è diventata più fluida, le lotte, il ritmo, la suspense e il disegno dei personaggi si sono evoluti, dando luogo ad un disegno più preciso e maturo, più serio, che meglio si adatta alla direzione intrapresa dall’opera. Il lato un po’ folle e approssimativo dei primi capitoli è stato abbandonato durante le scene di combattimento ed è usato solo al di fuori del ring, ad eccezione di alcuni combattimenti caricaturali che servono come transizione tra i combattimenti principali. Si potrebbe quasi sentire il bisogno dell’autore di fare delle pause pazze per alleviare la pressione! Il mix serio/commedia mi ha convinto personalmente, e George Morikawa è responsabile per le espressioni facciali uniche e altamente riconoscibili. Da un punto di vista anime, 3 stagioni e diversi film sono disponibili fino ad oggi. 3 stagioni che consiglio vivamente, perché troviamo l’atmosfera pesante dei combattimenti con risultati incerti di questo manga con una qualità grafica eccezionale, c’è chiaramente una partita con il Kuroko’s Basket da parte mia.

“Non tutti quelli che lavorano sodo sono ricompensati. Tuttavia! Tutti quelli che ci sono riusciti hanno lavorato sodo”

Un piccolo granello di sabbia nell’ingranaggio.
Nonostante tutte queste qualità, è un manga che paga per la lunghezza e l’età. A poco a poco, perdiamo l’essenza originale dell’opera. Naturalmente, il mix di battaglia/umore funziona ancora e Morikawa ha ancora delle buone idee, ma per una cinquantina di capitoli ora, non sappiamo davvero dove l’autore sta andando con questo, cosa vuole mostrare, lo sa? Quello che è certo è che molti fan sono rimasti delusi dalla svolta dello spettacolo e dopo una lunga traversata del deserto, il raggio di speranza che farà ripartire lo spettacolo come al suo apice sembra essere all’orizzonte! Nel frattempo, hai già 109 volumi di pura felicità!

Di Matthieu Morisset

Hajime No Ippo di George Morikawa

109 volumi (a partire da 12 anni)

“Bubble click e collent”

 

 

 

 

Banksy: “Shame I didn’t still own it”
10.10.19
Lili Tisseyre

#LONDON Né un’opera astratta espressionista, né una scultura monumentale a forma di toilette in oro massiccio, quella che ha segnato la London Art Week e ha catalizzato l’attenzione del mondo intero questa settimana è in realtà una tela figurativa….. Quella della House of Commons, oh quanto è stata recentemente al centro dell’attualità, dipinto una decina di anni fa, ma recentemente rielaborato per renderlo uno standard di protesta artistica contro l’imminente Brexit….. L’opera rappresenta i parlamentari inglesi che per il momento sono stati trasformati in scimpanzé. La pittura di Banksy, perché è sua, è stata esposta nel 2009 in una mostra personale al Bristol Art Museum prima di essere venduta ad un collezionista privato che ha quindi deciso di venderla al momento più opportuno per creare la sensazione nel bel mezzo di una fiera internazionale e della crisi che sta scuotendo il Regno Unito da 36 mesi dopo il voto di Brexit.

Il comportamento dei funzionari eletti nelle ultime settimane è stato particolarmente apprezzato dai loro omologhi animali rappresentati nella tabella. Un gesto artistico visionario? In “Faites le mur”, il documentario che ha realizzato nel 2010, Banksy impone per la prima volta il tema del denaro nell’arte ” Qual è il valore di un’opera d’arte: il suo valore economico o il suo valore estetico? L’opera di Banksy’s “Devolved Parliament” sembra uno scherzo proprio come la vendita, e in ogni caso è riuscita a distogliere l’attenzione dai riflettori e a gonfiare il prezzo del dipinto che è rimasto sotto il martello di Sotheby’s Hammer’ per la modesta somma di 9,9 milioni di sterline! Ad oggi, è il lavoro più costoso di questo artista britannico che ne è stato immediatamente commosso sui social network con un laconico “Shame I didn’t still own it”. Abituato ai colpi di scena delle vendite di Street Artist, la cui strategia di comunicazione deve far impallidire i più grandi pubblicitari (Esci da questo corpo di Saatchi!), tutti noi siamo rimasti affamati, non è successo, se non l’impennata del prezzo (questo più che prevedibile)! Un’ulteriore prova che Banksy non ha finito di tenerci alla fine del suo gancio!

Biennale di Lyon: Pannaphan Yodmanee, l’esperienza iniziatica
10.10.19
Michel Gathier

#LYON In una Biennale volentieri pessimista sul futuro del pianeta e dell’umanità, l’opera poetica di Pannaphan Yodmanee, intrisa di ansia e di una possibile fuga attraverso la spiritualità, apre un brillare nel grigio delle ex fabbriche FAGOR dove si svolge la maggior parte della Biennale di Lione. Ispirandosi alle tradizioni del suo paese natale, la Thailandia, e di un monaco buddista che l’ha introdotta alla pittura da bambina, il suo lavoro costruisce un ponte, ma allarga anche una questione tra questa Asia e lo spazio occidentale dove propone un’opera in situ in questa ex area industriale desolata dei tempi moderni. Perché il tempo rimane la spina dorsale di un artista intriso del passato e dei cicli karmici: nascita, morte e rinascita.

Installazioni imponenti si oppongono al macrocosmo anche quando, in profonde tubazioni di cemento, si circola come in un tunnel per un viaggio iniziatico, a meno che non si tratti di rifugiarsi. Ma all’immensità, contrasta con la ricchezza del microcosmo e l’interiorità. In questo paesaggio in rovina, le figure appaiono come un richiamo all’arte parietale. Ma sono estremamente delicati, a volte appena visibili, al limite della cancellazione, impreziositi da colori brillanti e pigmenti dorati. Le vernici minerali si fondono nella massa di calcestruzzo. Qui un albero sfugge in uno spazio vuoto verso il cielo, lì una nuvola di cemento si libra su di esso come una minaccia o, ancora una possibile elevazione.

L’arte di Pannaphan Yodmanee è complessa, ma in opposizione. Si tratta della massa pesante del cemento, della grazia e della leggerezza delle figure che vi traccia, dell’interiorità scura dove brillano di colori. Questi condotti sono anche grotte, luoghi sotterranei, luoghi sotterranei, ricordi di una pancia e dei suoi misteri. Penetrare rimane una forma di esperienza iniziatica quando ci si trova di fronte alla distruzione e alla sofferenza ma quando si vede che sulla terra o verso il cielo, rimangono le fughe. L’arte sarebbe qui questo legame tra noi stessi e questo mondo ansioso che essa designa. Sarebbe una forma di salvezza.

 

Fino al 5 gennaio 2020

Pannaphan Yodmanee

Ex impianto di Fagor

Documentario di Waad Al-Kateab e Edward Watts. Uscito il 9 ottobre 2019. Waad al-Kateab è una giovane siriana che vive ad Aleppo quando scoppia la guerra nel 2011. Sotto i bombardamenti, la vita continua. Riprende quotidianamente le perdite, le speranze e la solidarietà del popolo di Aleppo. Waad e suo marito medico sono divisi tra la partenza e la protezione della figlia Sama o la resistenza per la libertà del loro paese.

Pieter da Hooch a Delft. Alla luce di Vermeer
08.10.19
Dominique Vautrin

#Questa è una grande retrospettiva che il Museo Prinsenhof di Delft dedica al famoso pittore del XVII secolo Pieter de Hooch (1629 – 1684). Una trentina di dipinti di De Hooch sono raccolti e presentati per la prima volta. Proveniente dai maggiori musei europei e americani, è un’occasione unica per i visitatori di scoprire le sue famose opere, talvolta mai presentate in Olanda prima d’ora, ma anche l’opportunità di studiare nel dettaglio lo stile e il linguaggio visivo di questo maestro olandese.
Nato a Rotterdam nel 1629, era uno studente di Berchem e ha trovato “la sua maturità” nel suo “periodo Delf”. Influenzato da Vermeer e Rembrant, Pieter De Hooch rappresentava principalmente gli interni e la vita familiare della ricca borghesia. Conosciuto per i suoi effetti di luce, il suo meticoloso realismo e i suoi colori, è diventato, in un certo senso, il padrone dello spazio chiuso di un interno.
Grazie ai vari prestiti, mai prima d’ora così tanti dipinti, capolavori di De Hooch sono stati riuniti nella sua città di Delft, avete tempo fino al 16 febbraio 2020 per visitare il Museo Prinsenhof per ammirare i suoi scorci più belli di cortili e interni, dove sono stati dipinti quasi 400 anni fa.

“Pieter da Hooch a Delft. Alla luce di Vermeer
“Prinsenhof Museum Delft dall’
11 ottobre 2019 al 16 febbraio 2020

http://prinsenhof-delft.nl/

“Il sognatore della foresta” al Museo Zadkine
07.10.19
Dominique Vautrin

#PARIS  Con il titolo “Il sognatore della foresta”, quaranta artisti si sono stabiliti nel Museo Zadkine. Dedicato allo scultore Ossip Zadkine, il museo (un vero e proprio ambiente verde nel cuore del sesto arrondissement di Parigi) offre un dialogo delle sue opere con artisti moderni e contemporanei. Grandi maestri si affiancano ad artisti più intimi intorno a questo legame che è “la foresta”. Un tempo spazio nutriente per l’uomo, produce il materiale “legno” per lo scultore e fonte inesauribile di ispirazione per l’artista in generale. L’emergenza ecologica che sta colpendo le nostre società di consumo eccessivo ci ricorda quanto sia urgente smettere di segare il ramo su cui siamo seduti. Cerchiamo quindi di essere ambiziosi, di ricreare un legame tra natura e uomo. Come possiamo resistere qui al richiamo di chi purifica l’atmosfera di anidride carbonica, andiamo, sogniamo un po’, andiamo al Museo Zadkine, per un momento, ci purificherà la mente unendo “arte e foresta”, stimolerà le nostre emozioni, a volte intime e profonde.

 

Dal 27 settembre 2019 al 23 febbraio 2020

Il sognatore della foresta

Museo Zadkine, 100 bis rue d’Assam, 75006 Parigi

“Kuroko’s Basket” di Tadatoshi Fujimaki
04.10.19
Bubble

#Manga Kuroko’s Basket, originariamente chiamata Kuroko no basuke, è uno dei manga sportivi più popolari in Giappone. A lungo tra i TOP 10 delle vendite giapponesi esposte nel top Oricon, un top che prende il nome dall’azienda giapponese Oricon che fornisce statistiche di vendita dell’industria dell’intrattenimento, comprese le vendite di manga. La pallacanestro di Kuroko ha trovato la ricetta giusta che ha convinto i lettori.

Troviamo il nostro eroe, Kuroko, un giocatore di apparenza senza talento per la pallacanestro, non è né alto, né veloce, né duraturo, né abile. Un’introduzione relativamente classica, vi presentiamo un eroe che sembra molto debole e, infine, si rivela essere estremamente buono. Sì, ma ecco il trucco che ha fatto parte del suo successo è il fatto che Kuroko è un giocatore molto forte ma non può fare niente da solo! E questo è un concetto molto interessante sviluppato da Tadatoshi Fujimaki, che ha permesso di evidenziare diversi personaggi principali, piuttosto che avere uno o due giocatori molto forti e trame intorno. Riusciamo ad affezionarci a molti personaggi e preferiamo anche alcuni antagonisti! Non diciamo altro, vi lasciamo scoprire da soli!

L’autore è un fan di Slam Dunk di Takehiko Inoue e si possono sentire molte influenze. Adotta uno stile molto raffinato, liscio, con un’estetica dei personaggi lavorati alla linea sottile. Tutta l’essenza del disegno si ritrova nei movimenti dei personaggi, dai più stravaganti ai più semplici movimenti di pallacanestro, con gli sguardi, una comunicazione visiva tra i protagonisti per una resa fluida, armoniosa e attraente.

“Se ammiri una persona, non puoi superarla. »

Stiamo facendo gli straordinari

Tadatoshi Fujimaki è meglio conosciuto per aver creato questo lavoro in 30 volumi pubblicato a partire dal 2009 nel Weekly Shōnen Jump. Ha continuato a navigare sulla popolarità del suo lavoro pubblicando uno spin-off, Basket – Extra game di Kuroko in due volumi. Questa è la continuazione della serie originale dove i migliori giocatori del campionato giapponese si riuniscono nella stessa squadra per affrontare una squadra americana che sta dando loro un momento difficile. Le avventure del nostro eroe dai capelli blu non si fermano qui perché è stato creato anche un secondo spin-off, Kuroko’s Basket Replace PLUS, un adattamento manga del romanzo leggero, Kuroko no Basuke Replace di Hirabayashi Sawako, scritto da Tadatoshi Fujimaki ma questa volta disegnato da Ichiro Takahashi, uno dei suoi assistenti della serie originale. La serie è ancora in fase di pubblicazione: il decimo volume è stato pubblicato il 26 giugno 2019 da Kazé, l’editore francese delle 3 serie.

Quando si parla di manga, si parla necessariamente di animes!

Ma quanto vale la serie anime Kuroko’s Basketball?
Così come il manga, e forse ancora di più, l’opera si distingue per l’alta qualità visiva, le veloci scene di dribbling sono mozzafiato! Ne parleremo di nuovo quando vedrete il duello Kagami contro Aomine! Se il manga è certamente uno dei migliori manga sportivi degli ultimi anni, l’anime è forse il miglior anime sportivo mai realizzato tecnicamente e visivamente. Velocità, fluidità, fluidità, estetica, doppiaggio, colonna sonora, tutto è lì. Un’animazione che ha convinto il gigante SVOD Netflix dal momento che le 3 stagioni sono disponibili sulla piattaforma e li consiglio vivamente come complemento al lavoro originale per avere la propria idea.

Di Matthieu Morisset

Pallacanestro di Kuroko di Tadatoshi Fujimaki

30 volumi (a partire da 12 anni)

“Bubble click e collent”

 

Paradiso futuro perduto o desiderabile alla Fondazione Bullukian
03.10.19
Michel Gathier

#LYON Parodisegnando la frase del precursore del direttore della fotografia, Louis Lumière, “Il cinema è un’invenzione senza futuro”, l’artista italiano Andrea Mastrovito ci offre una rilettura del mondo attraverso un presunto spostamento che ci obbliga ad osservarlo secondo mezzi e norme contrarie alla loro funzione originaria. Così, su un piano di 110 m2, l’artista ha un set di intarsio per un mosaico di rappresentazioni di immagini mitiche del cinema. Ma questi riflettono come è il nostro mondo: immagini, rovine, spazio disarticolato e tempo insurrezionale. Ma l’artista, a suo agio in tutti i registri, si diverte a bilanciare quest’opera scura con una dissolutezza di colori e forme per uno sguardo apparentemente ingenuo sull’esplosione della vita vegetale e animale Ma questa natura ha colto all’estremo fino al punto di trasformarsi in il mito è un modo per Mastrovito per metterci in guardia dalle minacce che la minacciano. Questa natura ideale e fantastica che ci mostra è solo il risultato di un accumulo di ritagli di libri e quindi di una trasformazione della natura o di documenti plastici. L’orizzonte post-umanista sarebbe post-naturale, rimarrebbe solo l’illustrazione idealizzata di un universo caduto? E lo splendore di un paesaggio non sarebbe nient’altro che la composizione a priori di un’estinzione programmata? In quest’opera c’è la triste eco di un paradiso perduto ma anche il respiro salvifico di un altro viaggio, di un mondo da rifondare. E probabilmente e’ questo che c’e’ in gioco in questo caso Biennale di Lione. Nella Fondazione Bullukian, il lavoro di Mastrovito è presentato in parallelo a quello di Jérémy Godénel giardino, così diverso nella forma, ma che risuona con lei come una coda perché è così coinvolta nello stesso impegno ma attraverso la scienza e l’industria. Il lavoro curatoriale di Fany Robin si traduce in una mostra coerente che si apre alla riflessione.

Per il resto della Biennale, possiamo quindi interrogarci su questo lavoro curatoriale collettivo dello stesso seraglio del Palais Tokyo che, nonostante opere a volte sorprendenti, ha scelto opere basate su un consenso morbido. Spesso sembrano parassitizzarsi a vicenda, suonare il gigantesco per superare un significato incerto in modo che il meglio sia accanto al peggiore dei riciclabili e del déjà vu. Questa Biennale, se rimane entusiasmante, dà soprattutto la voglia di seguire alcuni artisti che, in un contesto più modesto, diffonderebbero una sensibile e personale riflessione sulle sfide del mondo di oggi.

 

 

Fino al 5 gennaio 2017

Jeremy Gobé “Anthopocene”

Andrea Mastrovito “Il mondo è un’invenzione senza futuro”.

Fondazione Bullukian, Lione

Albert Oehlen Monumentale alla Galleria Serpentina
02.10.19
Lili Tisseyre

#LONDRA Mentre Frieze ha appena aperto le sue porte, Albert Oehlen, un artista tedesco rappresentato dalla potentissima e “seria” Gagosian Gallery, sta rilevando la Serpentine Gallery come preludio ad una delle fiere più trendy. L’evento, naturalmente, attira il solito aereo di collezionisti, curatori, consulenti, persone e jetet che ora gravitano in ciascuno degli appuntamenti di Arte Contemporanea sfocando i binari un po’ di più ogni giorno.

Al centro dell’istituzione, un’installazione monumentale segna l’inizio del processo di interpretazione della Rothko Chapel di Houston, appositamente progettata per l’occasione da Albert Oehlen. E sono quattro nuovi quadri – delle stesse dimensioni della cappella – che ci occupano il nostro tempo dall’ingresso. Poi in orbita o in dialogo a seconda della sua posizione, con l’installazione centrale, una selezione di opere dell’artista visivo tedesco ci guida al suono di una colonna sonora ad accesso casuale che ci accompagna a intervalli regolari nella scenografia.

Fedeli al suo approccio, i gesti surrealisti di Albert Oehlen e le pennellate espressioniste mirano a scrivere una certa storia della pittura, spingendone i limiti verso estremi a dir poco audaci. Perseguendo la sua logica di decostruzione – colore, linea, movimento e tempo – mescola stile astratto e figurativo e utilizza un intero arsenale di tecniche diverse, dal digitale al collage e persino la spruzzatura per stabilire, se non è ancora così, la dimostrazione della sua maestria. Rimane poi il suo linguaggio, sorprendente in questo caos piuttosto saggio e controllato che sente il dilemma, tra il desiderio di libertà e i limiti del mercato.

 

Albert Oehlen

dal 2 ottobre al 12 gennaio 2020

Gallerie Serpentine

Collezione di arte antica egiziana al MET
02.10.19
smArty

#NEW YORK #La collezione di arte antica egiziana del Metropolitan Museum of Art di New York (The MET) comprende circa 26.000 oggetti d’arte, dal Paleolitico al periodo romano (circa 300.000 a.C. – IV secolo a.C.). Cronologicamente disposti in una quarantina di stanze, gli oggetti riflettono i valori estetici, la storia, le credenze religiose e la vita quotidiana dell’antico Egitto, questa grande civiltà. Una delle sale più popolari nelle gallerie egiziane rimane senza dubbio il tempio di Dendur nell’ala di Sackler. Costruito intorno al 15 a.C. dall’imperatore romano Augusto, succeduto a Cleopatra VII, l’ultimo dei governanti tolemaici d’Egitto, il tempio era dedicato alla grande dea Iside e ai due figli di un governante nubiano locale che aveva aiutato i Romani nelle loro guerre con la regina di Meroe nel sud. Situato nella Bassa Nubia, circa cinquanta chilometri a sud della moderna Assuan, il tempio è stato smantellato per salvarlo dalle acque sorgive del lago Nasser dopo la costruzione dell’alta diga di Assuan. Questa eredità unica è stata offerta agli Stati Uniti dal governo egiziano in riconoscimento del contributo americano alla campagna internazionale per la salvaguardia degli antichi monumenti nubiani.